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this episode:
paul maenz
there is reason to fear …
… a new art
2026
© paul maenz
paul maenz’s gaze and attitude are significantly trained by advertising, from department store apprentice to typesetter, folkwang student, commercial artist to finally art director at the renowned agency young & rubicam – the gallerist completes a steep career in this field with stages in frankfurt/main, paris and new york, and one does not necessarily have to have seen mad men to be able to imagine how aesthetics and commerce are blended into an immeasurably vibrant lifestyle cocktail in the wild sixties. in this period maenz befriends charlotte posenenske and peter roehr. the remarkable parallels between applied visual communication and fine art of this period, in which commercial art, graphic design and fine art permeate each other worldwide in a massively influential way, prepare the basis for his further life path. clear typography and visual conciseness, new york school of advertising and swiss graphic design set the new norm, and the conceptual artists joseph kosuth, lawrence weiner and art & language, whom maenz later represents, make use of precisely these means. brushstrokes, executed in oil or acrylic on canvas, are yesterday’s news, and so one now eagerly devotes oneself to texts on walls, index cards or posters or creates colorful signal graphics. sol lewitt or lawrence weiner create art as instruction – who ultimately executes their concept as a physical drawing on the wall is of little importance – and in this way make use of the working method of an advertising agency, in which the design represents the actual product and its execution is purely technical processing. whether artist or art director: the focus no longer applies to the individual image, but expands to campaigns and editions, and maenz transfers this thinking very precisely to his gallery system.
his future exhibition posters, catalogs and announcement cards are graphically perfectly designed manifestos, but we are not there yet. before maenz opens his own gallery in cologne in 1970/1971, he initiates the action 14×45 in the galerie dorothea loehr in 1967 together with peter roehr. the significant gallerist and avant-garde art pioneer is a groundbreaking address for the melange of modern design with concrete, constructive and conceptual art and likewise organizes happenings. 19:45 – 21:55. september 9th. 1967. frankfurt. germany. dies alles herzchen wird einmal dir gehören, or also named in short as 14 x 45 or demonstration of demonstrations, forms an essential interface between advertising strategy, serial art and the beginnings of german conceptual art. it is an extremely focused presentation of 14 international artists lasting exactly 140 minutes. thomas bayrle, charlotte posenenske, peter roehr, jan dibbets and paul maenz himself are represented. each work respectively each artistic statement is shown in the room for precisely 45 seconds, in a tightly timed rhythm that completely deprives the artwork of the aura of the contemplative object. the perception of physical craftsmanship transforms into the purely mental registration of an idea. roehr’s work deals intensively with the montage of commercial film sequences and audio tapes, and so the artist together with maenz transfers the repetitive aesthetic of modern mass media into contemporary exhibition spaces and reduces the artwork to transient information.
paul maenz closes his spaces opened in 1970/1971 in 1990, and in these twenty years the post-war art business transforms itself multiple times and above all sustainably. maenz fundamentally understands the gallery space as a place of theoretical statement, of constructively positive dispute and intellectual mediation. fueled by the speculation boom around the paintings of the junge wilde and the massive auction price explosion of the late 80s, the market increasingly transforms into an investment circus that treats artworks primarily as pure financial assets. maenz’s systemic discourse principle then falls flat as outdated when collectors no longer question attitude or idea, but blindly chase after a promising return or an incalculable celebrity factor. at the end of the 60s the gallerist holds the view that conceptual art can free itself from pure commodity character, but in the long run has to realize that a hungry market effortlessly absorbs even fleetingly inconspicuous text works, photographs or conceptual papers and turns them into high-priced fetish objects. the attempt to undermine an increasingly greedy market with the power of the intellect ultimately fails. in the 70s and 80s art pioneers and committed gallerists dominate the scene acting as bearers of attitude and catalysts, but around the year 1990 at the latest it becomes clear how the newly emerging type of mega- and entertainment gallery with its globally operating corporate structures including inflated administrative apparatus, sales staffs and multiple branches in all metropolises defines the future – maenz sees no reason to become general manager in an art supermarket and takes this historical epochal shift as an occasion to leave the terrain. the end of the cold war, beautifully illustrated in the fall of the berlin wall in 1989, changes the cultural tectonics of europe, and the 20th-century concepts of the avant-garde reach their natural end. in his farewell statement maenz formulates that he showed art intended to change the mind, but now finds himself in a world that asks only for decoration and status symbols.
iir, august 2026
Paul Maenz’ Blick und Haltung sind maßgeblich von der Werbung geschult, vom Kaufhauslehrling über Schriftsetzer, Folkwangstudent, Werbegrafiker bis schließlich Art Director bei der renommierten Agentur Young & Rubicam – der Galerist vollzieht in diesem Bereich eine steile Karriere mit den Stationen Frankfurt/Main, Paris und New York, und man muss nicht notgedrungen Mad Men gesehen haben, um sich vorstellen zu können, wie Ästhetik und Kommerz in den wilden Sechzigern zu einem unermesslich quicklebendigen Lifestylecocktail vermengt werden. In dieser Zeit befreundet sich Maenz mit Charlotte Posenenske und Peter Roehr. Die bemerkenswerten Parallelen zwischen angewandter Visueller Kommunikation und Freier Kunst damals, in denen sich weltweit Werbegrafik, Grafikdesign und Bildende Kunst massiv beeinflussend durchdringen, bereiten die Basis für seinen weiteren Lebensweg. Klare Typografie und visuelle Prägnanz, New Yorker Werbeschule und Swiss Graphic Design setzen die neue Norm, und die Konzeptkünstler Joseph Kosuth, Lawrence Weiner und Art & Language, die Maenz später vertritt, bedienen sich ebenjener Mittel. Pinselstriche, ausgeführt in Öl oder Acryl auf Leinwand, sind vorgestrig, und so widmet man sich nun eifrig Texten auf Wänden, Karteikarten oder Plakaten oder erstellt farbfreudige Signal-Grafiken. Sol LeWitt oder Lawrence Weiner kreieren Kunst als Instruktion – wer deren Konzept als physische Zeichnung an der Wand schlussendlich ausführt, ist von geringem Belang – und bedienen sich solcherart der Arbeitsweise einer Werbeagentur, bei der der Entwurf das eigentliche Produkt darstellt und dessen Ausführung rein technische Abwicklung ist. Ob nun Künstler oder Art Director: Der Fokus gilt nicht mehr dem einzelnen Bild, sondern weitet sich aus zu Kampagnen und Editionen, und Maenz überträgt dieses Denken sehr präzise auf sein Galeriewesen.
Seine zukünftigen Ausstellungsplakate, Kataloge und Ankündigungskarten sind grafisch perfekt durchgestaltete Manifeste, aber noch sind wir nicht so weit. Bevor Maenz 1970/1971 seine eigene Galerie in Köln eröffnet, initiiert er 1967 zusammen mit Peter Roehr die Aktion 14×45 in der Galerie Dorothea Loehr. Die bedeutende Galeristin und Avantgarde-Kunstpionierin ist eine wegweisende Adresse für die Melange aus modernem Design mit konkreter, konstruktiver und konzeptueller Kunst und veranstaltet gleichfalls Happenings. 19:45 – 21:55. September 9th. 1967. Frankfurt. Germany. Dies alles Herzchen wird einmal Dir gehören, oder auch kurz als 14 x 45 oder Demonstration von Demonstrationen benannt, bildet eine essentielle Schnittstelle zwischen Werbestrategie, Serieller Kunst und den Anfängen der deutschen Konzeptkunst. Es ist eine extrem fokussierte, exakt 140 Minuten dauernde Präsentation von 14 internationalen Künstlern. Thomas Bayrle, Charlotte Posenenske, Peter Roehr, Jan Dibbets und Paul Maenz selbst sind vertreten. Jedes Werk respektive jede künstlerische Setzung wird präzise 45 Sekunden lang im Raum gezeigt, in einem straff durchgetakteten Rhythmus, der dem Kunstwerk die Aura des kontemplativen Objektes gänzlich entzieht. Die Wahrnehmung physischer Handwerklichkeit wandelt sich zur rein mentalen Registrierung einer Idee. Roehrs Arbeit beschäftigt sich intensiv mit der Montage von Werbefilm-Sequenzen und Tonbändern, und so transferiert der Künstler zusammen mit Maenz die repetitive Ästhetik moderner Massenmedien in zeitgenössische Ausstellungsräume und reduziert das Kunstwerk zur transienten Information.
Paul Maenz schließt seine 1970/1971 eröffneten Räume 1990, und in diesen zwanzig Jahren transformiert sich der Nachkriegs-Kunstbetrieb mehrfach und vor allem nachhaltig. Maenz versteht den Galerieraum grundsätzlich als Ort theoretischer Setzung, des zielführend positiven Disputes und intellektueller Vermittlung. Angefacht durch den Spekulationsboom um die Bilder der Jungen Wilden und die massive Auktionspreisexplosion der späten 80er wandelt sich der Markt zunehmend in einen Investmentzirkus, der Kunstwerke primär als reine Vermögenswerte behandelt. Maenz‘ systemisches Diskursprinzip greift als altüberkommen dann ins Leere, wenn Sammler nicht mehr Haltung oder Idee hinterfragen, sondern blind einer vielversprechenden Rendite oder einem unkalkulierbaren Prominentenfaktor hinterhereilen. Ende der 60er vertritt der Galerist die Ansicht, Konzeptkunst könne sich vom reinen Warencharakter befreien, muss aber langfristig einsehen, dass ein hungriger Markt selbst flüchtig-unscheinbare Textarbeiten, Fotografien oder konzeptuelle Papiere mühelos absorbiert und in hochpreisige Fetischobjekte überführt. Der Versuch, mit der Kraft des Intellektes einen zunehmend gierigen Markt unterlaufen zu können, scheitert endgültig. In den 70ern und 80ern beherrschen Kunstpioniere und überzeugte Galeristen als Haltungsträger und Katalysatoren agierend die Szene, aber spätestens um das Jahr 1990 herum wird klar, wie der neu entstehende Typus Mega- und Entertainment-Galerie mit seinen global operierenden Konzernstrukturen inklusive aufgepumptem Verwaltungsapparat, Verkaufsstäben und multiplen Filialen in allen Metropolen die Zukunft ausmacht – Maenz sieht keinen Grund, Geschäftsführer in einem Kunst-Supermarkt zu werden, und nimmt diesen historischen Epochenwechsel zum Anlass, das Terrain zu verlassen. Das Ende des Kalten Krieges, schön dargestellt im Berliner Mauerfall 1989, verändert die kulturelle Tektonik Europas, und die Avantgarde-Begriffe des 20. Jahrhunderts gelangen an ihr natürliches Ende. In seiner Abschiedserklärung formuliert Maenz, er habe Kunst gezeigt, die den Kopf verändern soll, befinde sich nun aber in einer Welt, die nur noch nach Dekoration und Statussymbolen verlange.
iir, august 2026