hans-peter feldmann
100.000 dollar, 2011
installation
while the others are dancing,
martin eugen raabenstein’s
sensor spotlight focuses on:
© hans-peter feldmann
the düsseldorf conceptual artist hans-peter feldmann receives the hugo boss prize in 2010, endowed with one hundred thousand dollars, has the sum paid out in one-dollar bills and arranges the entire amount museum-style on a wall. the vernissage audience, softly whispering its appreciation, leaves the heavily guarded treasure respectfully and obediently alone, and thus alternative scenarios suggest themselves, for example from the perspective of a woody allen. this restlessly feverish brain immediately recognizes the joke on the wall, and so the eternally culture-pessimistic new york skeptic interprets feldmann’s monetary protrusion as a conflict between the aura of money and the aura of art in a dialectical three-way battle between neurotic skepticism, pseudo-intellectual justification and profane greed. with the peasant-clever remark, “if a one-dollar bill is art, does my wallet then become a traveling gallery?” he reveals the breaking points of contemporary art by simply taking it literally. while lamenting about the “beginning of the end of art,” he narrowly escapes arrest because at the same time wanting to slip a loose dollar into his pocket. whereas we celebrate this never-filmed allen highlight in our minds, abbie hoffman does exactly the opposite in 1967 and, together with companions, throws 300 dollar bills from the gallery of the new york stock exchange onto the trading floor. the stockbrokers interrupt their work and begin to fight over the falling bills – trading has to be suspended for several minutes.
the action-packed performance with a few handfuls of flying dollars stands in stark contrast to 100,000 bills, lightly overlapping and pinned in a gallery room of the guggenheim museum. feldmann’s artistic strategy of appropriation, defamiliarization and recontextualization is explicitly played through with the transformation from prize money into artwork and back into the bank account, and explains à point the award for his lifetime achievement. with the timeless relevance of his work and its enormous influence on subsequent generations, the jury honors the “artist for artists” and his conceptual approach of collecting, archiving and reordering everyday objects – as a critical dialogue with the present moment and the ability to make the peculiarities of modern culture visible through encyclopedic compilations. the well-meaning speech nevertheless underpins jean baudrillard’s thesis of total arbitrariness, in which everything can be art, it is everywhere and thus nowhere anymore. contemporary art is only a game of signs that manages its own meaninglessness and has long been part of general commodity aesthetics, without deeper content. wolfgang ullrich also describes art in its decline into a consumer good or lifestyle accessory and diagnoses a loss of autonomy in its pitiful desire for purely medial function.
arthur c. danto reflects on andy warhol’s brillo boxes and concludes: if a work of art appears identical to an everyday object, the eye alone can no longer determine the difference. art must therefore become philosophy that explains itself, while at the same time ceasing to exist as art in the traditional sense – this end of the historical project of art is not a death in the classical sense but the fulfillment of a mission. danto sees this as liberation, as victory – art is now free, without having to fulfill any social or aesthetic function anymore – it is now pure thinking. in direct transfer to the art system as a supermarket and place of logistics and distribution, this means: curators function as shelf stockers who arrange the goods according to current trends such as diversity, ecology or provocation on demand. artists are accordingly product designers who have to deliver the brand that stands out on the shelf, and critics are responsible for marketing or perform low-level inventory services. throughout his life a fierce critic of the commercialization of art, feldmann stands for product and critique in one, who would have nothing against a mischievously media-based treatment by woody allen. as a collector and archivist, however, he would advise stealing the entire sum – but these are all unhatched eggs.
iir, february 2026
Der Düsseldorfer Konzeptkünstler Hans-Peter Feldmann erhält 2010 den mit einhunderttausend Dollar dotierten Hugo Boss Prize, lässt sich die Summe in Ein-Dollar-Scheinen auszahlen und arrangiert die gesamte Summe museal an einer Wand. Das feinfühlig Anerkennung wispernde Vernissagepublikum lässt den stark bewachten Schatz ehrfurchtsvoll und brav in Ruhe, und so drängen sich alternative Szenarien auf, zum Beispiel aus der Sicht eines Woody Allen. Dessen unruhig fiebrige Hirnwindungen erkennen den Schalk an der Wand sofort, und so interpretiert der ewig kulturpessimistische New-York-Skeptiker Feldmanns monetäre Ausstülpung als Konflikt zwischen der Aura des Geldes und der Aura der Kunst im dialektischen Dreikampf zwischen neurotischer Skepsis, pseudointellektueller Rechtfertigung und profaner Gier. Mit der bauernschlauen Bemerkung: „Wenn ein Ein-Dollar-Schein Kunst ist, wird dann aus meinem Portemonnaie eine Wandergalerie?“ offenbart er die Sollbruchstellen zeitgenössischer Kunst, indem er sie einfach wörtlich nimmt. Während er den „Anfang vom Ende der Kunst“ beklagt, entgeht er knapp der Verhaftung, weil er gleichzeitig einen losen Dollar in seine Tasche zu stecken versucht. Wiewohl wir dieses nie gedrehte Allen-Highlight im Geiste feiern, geht Abbie Hoffman 1967 genau gegenteilig vor und wirft mit Mitstreitern 300 Dollarscheine von der Galerie der New York Stock Exchange auf das Handelsparkett. Die Börsenhändler unterbrechen ihre Arbeit und beginnen, sich um die herabfallenden Scheine zu prügeln – der Handel muss für einige Minuten ausgesetzt werden.
Die aktionsgeladene Performance mit ein paar Handvoll fliegender Dollar steht in krassem Gegensatz zu 100.000 Scheinen, leicht überlappend angepinnt in einem Galerieraum des Guggenheim Museums. Feldmanns künstlerische Strategie der Aneignung, Verfremdung und Neukontextualisierung wird mit der Umwandlung vom Preisgeld zum Kunstwerk und zurück aufs Konto explizit durchgespielt und erklärt à point die Preisverleihung für sein Lebenswerk. Mit der zeitlosen Relevanz seines Werks und dessen enormem Einfluss auf nachfolgende Generationen würdigt die Jury den „Künstler für Künstler“ und seinen konzeptuellen Ansatz des Sammelns, Archivierens und Neuordnens von Alltagsgegenständen – als kritischen Dialog mit dem gegenwärtigen Moment und der Fähigkeit, die Besonderheiten der modernen Kultur durch enzyklopädische Zusammenstellungen sichtbar zu machen. Die wohlmeinende Rede unterfüttert gleichwohl Jean Baudrillards These der totalen Beliebigkeit, bei der alles Kunst sein kann, sie überall sei und somit nirgends mehr. Zeitgenössische Kunst ist nur noch ein ihre eigene Bedeutungslosigkeit verwaltendes Spiel der Zeichen und längst Teil der allgemeinen Warenästhetik, ohne tieferen Gehalt. Aber auch Wolfgang Ullrich beschreibt Kunst in ihrem Niedergang zum Konsumgut beziehungsweise Lifestyle-Accessoire und diagnostiziert Autonomieverlust in ihrem kläglichen Verlangen nach rein medialer Funktion.
Arthur C. Danto sinniert über Andy Warhols Brillo-Boxen und schlussfolgert: Wenn ein Kunstwerk identisch erscheint wie ein Alltagsgegenstand, kann das Auge allein den Unterschied nicht mehr feststellen. Kunst muss demzufolge zur sich selbst erklärenden Philosophie werden, während sie gleichzeitig aufhört, als Kunst im traditionellen Sinne zu existieren – dieses Ende des historischen Projekts Kunst ist kein Tod im klassischen Sinne, sondern die Erfüllung einer Mission. Danto sieht dies als Befreiung, als Sieg: Kunst ist nun frei, ohne gesellschaftliche oder ästhetische Funktion mehr erfüllen zu müssen – sie ist jetzt reines Denken. In der direkten Übertragung auf das Kunstsystem als Supermarkt und Ort von Logistik und Distribution hieße das: Kuratoren fungieren als Regalauffüller, die die Waren nach aktuellen Trends wie Diversität, Ökologie oder Provokation auf Bestellung ordnen. Künstler sind demnach Produktdesigner, die das im Regal herausstechende Brand zu liefern haben, und Kritiker verantworten das Marketing oder leisten niedere Inventurdienste. Zeit seines Lebens heftiger Kritiker der Kommerzialisierung von Kunst steht Feldmann für Produkt und Kritik in einem, der gegen eine schelmisch mediale Aufarbeitung durch Woody Allen nichts einzuwenden hätte. Als Sammler und Archivar hingegen würde er zum Diebstahl der gesamten Summe tendieren – aber das sind alles ungelegte Eier.
iir, february 2026