jikken kōbō
the future eve, 1955
performance
while the others are dancing,
martin eugen raabenstein’s
sensor spotlight focuses on:
© kiyoji ōtsuji
jikken kōbō, the experimental workshop, is a japanese artist and performance collective in tokyo emerging from the bauhaus-inspired japanese prewar avant-garde and is regarded as a precursor to the fluxus movement, whose experimental projects form decisive cultural foundations of the postwar period there. jikken kōbō develops and combines free musical forms with visual styles beyond classical western concepts of art and music and represents the technophile, progressive-positivist vision of the future of its time. between 1951 and 1957, the group around the art critic and poet shūzō takiguchi produces stage performances and organizes concerts featuring its own or other compositions by béla bartók and olivier messiaen, which it introduces to japan for the first time. abstract images, concrete musical pieces, and poetic texts are presented in combination; paintings, sculptures, photographs, and films are created specifically for these events – in short: the cross-disciplinary, intermedial art collective impresses not only its contemporaries through extraordinarily diverse activities, but also continues to shape culture on multiple levels.
the future eve is an experimental ballet theater developed together with the playwright kawaji akira and the matsuo akemi ballet company. from march 29 to 31, 1955, the work is performed over three evenings at the haiyūza theater. it is an adaptation of the science-fiction novel l’ève future, written by auguste villiers de l’isle-adam in 1886. the novel formulates the ideal of a perfect female android and provides the collective with abundant material through which to stage its ideas of technology, the body, and art. the music is composed in part by tōru takemitsu and toshirō mayuzumi, while the stage design is created by shōzō kitadai. jikken kōbō’s proximity to the bauhaus becomes unmistakably clear in its collective theater practice, its strong interest in the relationship between art and technology, and its belief in the social relevance of art. the american occupiers bring the ideals of new deal liberalism into the country – the same current from which black mountain college and the chicago bauhaus also emerge. in postwar japan, the reeducation introduced under allied leadership replaces the authoritarian military nationalism held responsible for the lost war with a mission of nationwide artistic and cultural cultivation. shūzō takiguchi, already a supporter of the avant-garde before the war, lives in the spirit of anti-establishment thinking while simultaneously helping to build japan’s first national museum of modern art. within this tension between institutional integration and avant-garde independence, the future eve also vibrates as a fitting project.
jikken kōbō is deeply interested in the deconstructive force of john cage’s music and its breaking of the rigid rules of classical music. in 1952, kuniharu akiyama contacts the composer in writing. this direct connection to cage – himself a student of arnold schönberg and influenced by zen – encourages the group to search for powerful impulses within its own cultural traditions as well. the future eve combines dance, visual art as stage design, and electroacoustic music into a unique gesamtkunstwerk never before seen in japan. jikken kōbō thereby anticipates developments that only become more broadly articulated in the west during the 1960s through fluxus and dick higgins’ concept of intermedia, and today it is regarded as one of the most significant early works of japanese avant-garde performance.
the musical collaboration between tōru takemitsu and toshirō mayuzumi for the work is more than a fortunate union. both composers are already collaborating on two further jikken kōbō projects: the ballet mirai no eve and the short advertising film ginrin. nevertheless, the two composers could hardly differ more in background, education, and worldview. the autodidact takemitsu consciously avoids japanese artistic tradition. already in 1948, he develops the idea of an electroacoustic music intended to “bring noise into tempered tones.” when he learns that pierre schaeffer develops the methods of musique concrète in the same year based on similar ideas, he is delighted. with the opening of the nhk studio in 1955, the first works of electronic music by japanese composers emerge, and takemitsu writes his first tape composition, relief statique. mayuzumi comes from the opposite direction: he possesses an academic education and is deeply rooted in european avant-garde discourse. at the tokyo university of the arts and at the conservatoire de paris, he studies under tony aubin and follows the newest developments of olivier messiaen and pierre boulez. mayuzumi becomes the first japanese composer to create works of musique concrète and electronic music.
1956 is a year of particular significance in japanese music history. during a concert at yamaha hall, only tape music without live musicians is presented – works by tōru takemitsu, hiroyoshi suzuki, toshirō mayuzumi, and minao shibata. the prerecorded tape music used in the future eve forms part of a broader strategy to transfer tape composition from the concert hall into intermedial contexts. the choice of a work centered on an artificially synthetic body – the android hadaly – becomes programmatic in relation to nature and construction as well as organic sound and electronically generated tone. founded in 1958 at the tokyo national university of fine arts and music by the following generation, group ongaku around takehisa kosugi, mieko shiomi, and yasunao tone is a japanese noise and sound art collective that explores free improvisation and shifts the focus from pure sound production toward action as music. from 1961 onward, close ties develop between group ongaku and the international fluxus collective through the influence of yoko ono and contact with fluxus coordinator george maciunas; shiomi, kosugi, and tone themselves become fluxus members. at a concert by yoko ono in 1962 at the sogetsu art center, jōji yuasa and kuniharu akiyama also perform, both former members of jikken kōbō. from 1965 to 1967, takehisa kosugi lives in new york, creates mixed-media works, and performs with nam june paik and other fluxus members.
the sustaining influences continue in structural continuity through yellow magic orchestra and ryuichi sakamoto. he studies composition at the tokyo national university of fine arts and music and experiments there with buchla, moog, and arp synthesizers. the pioneers of synthpop, electro, and techno, yellow magic orchestra, draw inspiration from isao tomita and kraftwerk, traditional japanese music, arcade games, and funk. the legacy of takemitsu and mayuzumi develops along a tension already embedded in the originals themselves: takemitsu, the autodidact who cultivates eastern silence and the sound of materiality, influences the body- and process-oriented line extending from group ongaku to kosugi and tone. mayuzumi, by contrast, the institutionally trained composer initially oriented toward europe, later turns toward buddhism and continues to exert influence within academic electroacoustics, but also – through the sogetsu art center as a central performance venue – within the broader institutionalization of experimental music in japan: an undertaking that ultimately prepares the cultural ground for yellow magic orchestra.
iir, may 2026
Jikken Kōbō, die Experimentelle Werkstatt, ist ein japanisches Künstler- und Performancekollektiv in Tokio in der Nachfolge der vom Bauhaus inspirierten japanischen Vorkriegsavantgarde und gilt als Vorläufer der Fluxus-Bewegung, deren experimentelle Projekte entscheidende kulturelle Grundlagen der dortigen Nachkriegszeit bilden. Jikken Kōbō entwickelt und kombiniert freie musikalische Formen mit visuellen Stilen abseits klassisch westlicher Kunst- oder Musikvorstellungen und repräsentiert die technophile, fortschrittlich-positivistische Zukunftsvision dieser Zeit. Zwischen 1951 und 1957 produziert die Gruppe um den Kunstkritiker und Poeten Shūzō Takiguchi Bühnenperformances und veranstaltet Konzerte mit eigenen oder fremden Kompositionen von Béla Bartók oder Olivier Messiaen, die sie erstmalig in Japan vorstellen. Abstrakte Bilder, konkrete Musikstücke und poetische Texte werden kombiniert präsentiert; Gemälde, Skulpturen, Fotografien und Filme eigens hierfür geschaffen – kurz: Das cross-disziplinäre, intermediale Kunstkollektiv beeindruckt durch außerordentlich vielfältige Aktivitäten nicht nur deren Zeitgenossen, sondern wirkt auf verschiedenen Ebenen kulturprägend nach.
The Future Eve ist ein experimentelles Balletttheater, entwickelt mit dem Dramatiker Kawaji Akira und der Matsuo Akemi Ballet Company. Vom 29. bis 31. März 1955 wird das Stück am Haiyūza Theater an drei Abenden aufgeführt. Es ist eine Bearbeitung des Science-Fiction-Romans L’Ève future, den Auguste Villiers de l’Isle-Adam 1886 schreibt. Der Roman entwirft das Ideal einer perfekten weiblichen Androidin und liefert dem Kollektiv reichhaltige Nahrung, seine Vorstellungen von Technik, Körper und Kunst bühnengerecht vorzuführen. Die Musik stammt unter anderem von Tōru Takemitsu und Toshirō Mayuzumi, das Bühnenbild von Shōzō Kitadai. Die Nähe Jikken Kōbōs zum Bauhaus wird in der kollektiven Theaterarbeit, dem starken Interesse an der Verbindung von Kunst und Technologie sowie im Glauben an die gesellschaftliche Relevanz der Kunst überdeutlich. Die amerikanischen Besatzer bringen die Ideale einer programmatischen Ausrichtung des New-Deal-Liberalismus mit ins Land – dieselbe Strömung, aus der auch das Black Mountain College und das Chicago Bauhaus hervorgehen. Im Japan der Nachkriegszeit ersetzt die unter alliierter Führung eingeführte Umerziehung den für den verlorenen Krieg verantwortlichen autoritären Militärnationalismus durch eine Mission landesweiter Kunst- und Kulturpflege. Shūzō Takiguchi, bereits in der Vorkriegszeit Förderer der Avantgarde, lebt im Geist des Anti-Establishments, baut aber gleichzeitig das erste nationale Museum für moderne Kunst mit auf. In dieser Spannung zwischen institutioneller Einbindung und avantgardistischer Unabhängigkeit vibriert auch The Future Eve als geeignetes Projekt.
Jikken Kōbō interessiert sich stark für die dekonstruktive Kraft der Musik John Cages und deren Brechung starrer Regeln klassischer Musik. 1952 wendet sich Kuniharu Akiyama schriftlich an den Komponisten. Dieser direkte Kontakt zu Cage – selbst Schüler Arnold Schönbergs und vom Zen beeinflusst – stärkt die Gruppe darin, auch in der eigenen kulturellen Tradition nach zündenden Impulsen zu suchen. The Future Eve verbindet Tanz, bildende Kunst als Bühnenbild und elektroakustische Musik zu einem einmaligen, in Japan so nie gesehenen Gesamtkunstwerk. Jikken Kōbō nimmt damit Entwicklungen vorweg, die im Westen durch Fluxus oder das Intermedia-Konzept von Dick Higgins erst in den 1960er Jahren breiter artikuliert werden, und gilt heute als eines der bedeutendsten frühen Werke japanischer Avantgarde-Performance.
Die musikalische Zusammenarbeit von Tōru Takemitsu und Toshirō Mayuzumi für das Stück ist mehr als ein glücklicher Zusammenschluss. Beide arbeiten bereits gemeinsam an zwei weiteren Jikken-Kōbō-Projekten: dem Ballett Mirai no Eve und dem kurzen Werbefilm Ginrin. Dennoch könnten die beiden Komponisten in Herkunft, Ausbildung und Weltanschauung kaum unterschiedlicher sein. Der Autodidakt Takemitsu meidet die japanische Kunsttradition bewusst. Bereits 1948 entwickelt er die Idee einer elektroakustischen Musik, um „Lärm in temperierte Töne zu bringen“. Als er erfährt, dass Pierre Schaeffer im selben Jahr die Methoden der musique concrète auf Basis ähnlicher Ideen entwickelt, ist er hocherfreut. Mit der Eröffnung des NHK-Studios 1955 entstehen die ersten Werke elektronischer Musik japanischer Komponisten, und Takemitsu schreibt sein erstes Bandwerk, Relief Statique. Mayuzumi entstammt der entgegengesetzten Richtung: Er besitzt eine akademische Ausbildung und ist tief im europäischen Avantgardediskurs verwurzelt. An der Tokyo University of the Arts sowie am Conservatoire de Paris studiert er bei Tony Aubin die neuesten Entwicklungen von Olivier Messiaen und Pierre Boulez. Mayuzumi wird zum ersten japanischen Komponisten mit Werken der musique concrète und elektronischen Musik.
1956 ist ein Jahr besonderer japanischer musikhistorischer Bedeutung. Während eines Konzerts in der Yamaha Hall wird ausschließlich Bandmusik ohne Musiker präsentiert – Werke von Tōru Takemitsu, Hiroyoshi Suzuki, Toshirō Mayuzumi und Minao Shibata. Die bei The Future Eve eingesetzte Musik vom Band ist Teil einer breiter greifenden Strategie, Tonbandkomposition aus dem Konzertsaal in intermediale Kontexte zu überführen. Die Wahl eines Stückes über einen künstlich synthetischen Körper – den Androiden Hadaly – ist hierbei programmatisch im Verhältnis von Natur zu Konstruktion sowie organischem Klang zu elektronisch erzeugtem Ton. Die 1958 an der Tokyo National University of Fine Arts and Music von der nachfolgenden Generation gegründete Group Ongaku um Takehisa Kosugi, Mieko Shiomi und Yasunao Tone ist ein japanisches Noise- und Sound-Art-Kollektiv, das freie Improvisation erkundet und den Fokus von reiner Klangerzeugung hin zur Handlung als Musik verschiebt. Seit 1961 entwickeln sich durch den Einfluss von Yoko Ono und den Kontakt mit Fluxus-Koordinator George Maciunas enge Verbindungen zwischen Group Ongaku und dem internationalen Fluxus-Kollektiv; Shiomi, Kosugi und Tone werden selbst Fluxus-Mitglieder. Bei einem Konzert von Yoko Ono 1962 im Sogetsu Art Center treten auch Jōji Yuasa und Kuniharu Akiyama auf, ehemalige Mitglieder von Jikken Kōbō. Takehisa Kosugi lebt von 1965 bis 1967 in New York, erstellt Mixed-Media-Werke und tritt mit Nam June Paik und anderen Fluxus-Mitgliedern auf.
Die tragenden Einflüsse reichen in ihrer strukturellen Kontinuität bis zum Yellow Magic Orchestra und zu Ryuichi Sakamoto. Dieser studiert an der Tokyo National University of Fine Arts and Music Komposition und experimentiert dort mit Buchla-, Moog- und ARP-Synthesizern. Die Pioniere von Synthpop, Electro und Techno, Yellow Magic Orchestra, sind inspiriert von Isao Tomita und Kraftwerk, traditioneller japanischer Musik, Arcade-Spielen und Funk. Die Nachfolge von Takemitsu und Mayuzumi verläuft entlang einer bereits in den Originalen angelegten Spannung: Takemitsu, der Autodidakt, der östliche Stille und Materialklang kultiviert, beeinflusst die körper- und prozessorientierte Linie von Group Ongaku bis zu Kosugi und Tone. Mayuzumi hingegen, der institutionell geschulte und urprünlich europanahe Komponist, wendet sich später dem Buddhismus zu und wirkt fort in der akademischen Elektroakustik, aber auch – über das Sogetsu Art Center als zentralem Aufführungsort – in der breiteren Institutionalisierung experimenteller Musik in Japan: ein Unterfangen, das dem Yellow Magic Orchestra erst deren kulturellen Boden bereitet.
iir, may 2026
© kiyoji ōtsuji