ryan gander
i…, i…, i…, 2019
animatronic mouse, hole in a wall, installation, 19,4 x 24 x 28,2 cm, audio file
while the others are dancing,
martin eugen raabenstein’s
sensor spotlight focuses on:
© ryan gander
the british artist ryan gander assembles sculptures for a traveling exhibition of the arts council collection on the occasion of its 70th anniversary in 2017. for the selection and presentation of more than 30 works ranging from henry moore and richard deacon to wolfgang tillmans, he devises specific sets of rules in order to “create unusual correspondences and connections,” as gander puts it. all figurative sculptures in the collection that seem to be involved in the act of seeing end up on his list. he seeks to exchange the roles of viewer and viewed, imagining what sculptures of the human figure might have noticed: visitors, art students, technicians installing an exhibition, and of course their proud creator, the artist. this is the world of the silent observers. the director of the arts council collection speaks of innovation, even of excitement, and eagerly talks up the impressive impact of this curatorial approach. as a masterful impresario on the harmonium of the art worlds social system, gander performs before a finely seasoned mélange of art professionals and diligently interested laypeople who know very well how and when to dutifully offer their applause.
well equipped with the standard tool of last centurys post-structuralist era, the security of communication between artist and audience on the mutually agreed level of ironic deflection is virtually guaranteed and self-perpetuating. gander’s offering of a robotic object positioned just above the floor, which one must bend down to see or hear, allows the visitor to actively decide to adopt this humble or curious pose. the voluntary performance of the audience stems from the desire to be part of the game – with the gain of intellectual distinction and the assurance of contemplating a work that naturally reflects the current post-structuralist, institution-critical discourse. at the same time, the work is stable in value and of urgent relevance – the hardest currency on the art market – and as long as curators and critics label it as important, viewing or even acquiring it becomes a rational investment in a cultural asset. in the shared agreement with the artist to laugh at the absurdity of an art market of which one is a part, a problematic consensus emerges.
all participants – artist, buyer, and audience – are well aware of their ironic game, but where does honesty remain? an animated mouse in a hole close to the ground, speaking in the voice of gander’s nine-year-old daughter olive and stammering as it attempts to articulate complex ideas that audibly overwhelm it, is … ironic? the philosopher markus gabriel calls for a return to reality that goes beyond self-referential play. gander, on the other hand, remains trapped in the “field of sense of art,” in which irony functions as the entry ticket, as the epitome of contemporary conceptual art without aesthetic pigeonholes, recognizability, or cult of genius. artistic signature is restrictive, commercially corrupting, a brand, and gander allows the idea to determine the medium, not the style. the mouse acting from within a hole, embodying with the vulnerability and awkwardness of a child precisely that stammering gander likes to speak of as a metaphor, formulates a fine boundary. is the way in which expectations of contemporary art are shifting still open to critical questioning at all? are we still speaking of an intellectual wink, or are we merely chasing the blink after a blink…
iir, march 2026
Der britische Künstler Ryan Gander stellt Skulpturen für eine Wanderausstellung der Arts Council Collection zusammen, anlässlich deren 70-jährigem Jubiläum 2017. Für Auswahl und Präsentation der über 30 Werke von Henry Moore und Richard Deacon bis hin zu Wolfgang Tillmans ersinnt er spezifische Regelwerke, um „ungewöhnliche Entsprechungen und Verbindungen herzustellen“, so Gander. Alle figurativen Skulpturen der Sammlung, die in den Akt des Sehens involviert zu sein scheinen, landen auf seiner Liste. Er will die Rollen von Betrachter und Dargestelltem tauschen, stellt sich vor, was Skulpturen der menschlichen Figur gesehen haben mögen: Besucher, Kunststudenten, Techniker beim Aufbau einer Installation und natürlich ihren stolzen Schöpfer, den Künstler. Das sei die Welt der stillen Betrachter. Die Leiterin der Arts Council Collection spricht von Innovation, von Aufregung gar, und redet sich die beeindruckende Wirkung dieser Kuratierung eifrig herbei. Als meisterlicher Impressario auf dem Harmonium des sozialen Systems Kunstbetrieb spielt Gander vor einer fein gewürzten Melange aus Kunstprofessionellen und beflissentlich interessierten Laien, die um den braven Einsatz ihres Applauses sehr genau wissen.
Mit dem Standardtool der poststrukturalistischen Ära des letzten Jahrhunderts wohl ausgestattet, ist die Kommunikationssicherheit zwischen Künstler und Publikum auf der einvernehmlichen Ebene ironischer Brechung quasi Garant und Selbstläufer. Ganders Angebot eines knapp über dem Boden angebrachten robotischen Objektes, zu dem man sich hinunterbücken muss, so man es sehen oder hören will, lässt den Besucher aktiv entscheiden, diese demütige oder neugierige Pose einzunehmen. Die freiwillige Performance des Publikums entspringt dem Willen, Teil des Spiels zu sein – mit intellektuellem Distinktionsgewinn und der Gewissheit, ein Werk zu betrachten, das den aktuellen poststrukturalistischen, institutionskritischen Diskurs selbstverständlich abbildet. Das Werk ist gleichzeitig wertstabil, von dringlicher Relevanz – die härteste Währung auf dem Kunstmarkt – und solange Kuratoren und Kritiker dieses als wichtig labeln, ist die Betrachtung oder der Ankauf gar eine rationale Investition in ein kulturelles Asset. Im gemeinsamen Einverständnis mit dem Künstler über die Absurdität eines Kunstmarktes zu lachen dessen Teil man ist, entsteht ein problembehafteter Konsens.
Alle Beteiligten – Künstler, Käufer und Publikum – sind sich ihres ironischen Spiels wohl bewusst, doch wo verbleibt die Ehrlichkeit? Eine animierte Maus in einem Loch in Bodennähe, die mit der Stimme von Ganders neunjähriger Tochter Olive spricht und stotternd versucht, komplexe Ideen zu erörtern, die sie hörbar überfordern, ist … ironisch? Der Philosoph Markus Gabriel fordert eine Rückkehr zur Realität, die über selbstbezügliches Spiel hinausgeht. Gander hingegen bleibt im „Sinnfeld Kunst“ gefangen, in dem Ironie die Eintrittskarte bildet, als Inbegriff moderner Konzeptkunst, ohne ästhetische Schubladen, Wiedererkennbarkeit oder Geniekult. Künstlerische Handschrift ist einengend, kommerziell korrumpierend, eine Marke, und Gander lässt die Idee das Medium bestimmen, nicht den Stil. Die aus einem Loch heraus agierende Maus, die mit der Verletzlichkeit und Unbeholfenheit eines Kindes eben jenes Stottern als Metapher darstellt von dem Gander gerne spricht, formuliert eine feine Grenzlinie. Ist die Art und Weise, wie sich Erwartungen an zeitgenössische Kunst verschieben, überhaupt noch kritisch zu hinterfragen? Reden wir hier weiterhin von intellektuellem Augenzwinkern oder blinzeln wir nur noch einem Blinzeln hinterher…
iir, march 2026
© ryan gander, i’m never coming back to oslo again, 2020, animatronics, us dollar notes, plaster, speaker, audio file, dimensions variable