relevance & return
this episode:
frederik van de moortel
composer, musician & teacher, antwerp
photo © frederik van de moortel, at younger ages
legacy, inheritance, heritage, three terms for … what exactly?
martin eugen raabenstein in dialogue and with the question
of what remains at the end of the day.
martin: dear frederik! nice to have you with us! would you please introduce yourself briefly?
frederik: hello, i am frederik van de moortel, a composer and sound designer. i mainly work with moving images, film, television & theater. i am trained as a composer and bass player, plus i am currently learning the cello. my style can be described as electro-acoustic, i think. the more i get into this, the more i am loving to work with classical instruments, also the classical orchestra as a foundation, and on the other side, i love to work with synthesis, granular synthesis, analog and digital and all sorts.
i also love researching. for every film i tend to research a certain type of film or technique or instrument, or music theory, and try to derive and do something i have never done before — to evolve in a musical style or a filmic style. in the end, the result is almost always a hybrid of acoustic and digital sounds.
martin: we are only on this planet for a limited time. does that worry you? how do you deal with your finiteness?
frederik: the question is about our limited time on this planet, and the first part is: “does that worry you?” i have to say it doesn’t. it doesn’t worry me, but that’s probably naive of me. but i can’t lie. i’m not worried about my limited time on this planet.
martin: how do you deal with your finiteness?
frederik: i don’t. but somehow i have always, in the back of my head, the thought that my music, my art, will outlive me, and i guess that’s a comforting idea. if finiteness means the finiteness of time, but also of space, then i have to say for me, music has always been a way to connect with people from just about everywhere — and actually working with music for film has even extended that. one of the things about composing for film i love the most is that, even though we are a small country, there are often co-productions being made, and this gives our small belgian musician or artist community the possibility of working on international films — a possibility of collaborating with people from around the globe, for me.
if i just think about the last few years: i’ve worked with a russian, a syrian director both in exile, and a second syrian director. plus directors from iceland, greece, and the united states. i recently finished a film with a ukrainian director, who actually needed to go to the front line in the midst of our collaboration. so if i think about all this, i can only realize that the whole world passes through my studio here. they’re all creative people looking to express their feelings and their ideas and their hopes, and i’m helping them with my musical component. but to do this, i need to understand them, i need to figure out what’s making them tick, what they like, what they want, what the goal of the film is. i need to get under their skin and inside their head, and i need to get to know them quite well. this is how i extend myself out of my little studio and it is my way to invite the whole world in this small place at the same time. which i find very fulfilling.
martin: being open-minded and at the same time staying true to your own feeling, your style is exciting, but also difficult… are there boundaries that you can’t or don’t want to cross?
frederik: probably quite a few. my style is a bit of a mish-mash of different influences, and in the early stages almost anything is possible — there are no real “taboos” when creating. but once the initial idea is down, there’s always a rigorous process of editing, re-editing, reshaping, and eliminating. i naturally gravitate towards certain sounds and ideas, and many things don’t survive past the first few listens if i find them boring, uninteresting, or mediocre. i realise some of my music can end up being “difficult,” but i never aim for that. in fact, i’d love it to feel simple and natural — but with an underlying complexity that keeps rewarding repeat listens.
it’s a bit like a bird in flight: the mechanics and physics are incredibly complex, but what you see is pure elegance. it doesn’t look difficult. there are also ethical boundaries i won’t cross — mainly around copying. sometimes a director will ask me to directly replicate a track they’ve used in their first edit. i won’t do that. to me, it’s an insult. i’m happy to be inspired by something, influenced by it, even tip my hat with a little homage — but there’s a line.
martin: ah ah i know that too well… once i licenced an already released track for the online launch of a new factory of a well-known german car company. they paid a fortune, it’s long time ago, but then asked to cut down the beat, then asked to delete the guitar and after the third correction the track was killed, a tool only… again, how far would you go, frederik?
frederik: it depends on so many factors. like the medium for instance; theatre is different because it disappears, after 10 or 20 shows it’s gone — film sticks around. but when i compose for a film this is team effort, and i do try to make the best score for the project, so after a lot of trial and error when the director is happy that means a lot, but at the end of the day i still need to be proud of my work. i once had a director giving me a playlist with 10 existing tracks, saying, just copy these and you’re done. i passed for the job.
martin: creatives, especially film directors, seem to have a certain shyness about too intense film music, you’ve probably noticed that too… what could be the reason for this?
frederik: yes, i have noticed that, actually i spot this every time. i don’t know, it’s a good question. probably it has to do with the fear of the music overpowering the image. and maybe on a deeper level: not being sure enough their image and/or story is strong enough to be accompanied by intense music. it is a misconception in my opinion. if you dare to use strong music your story and image will get more layered, get deeper colour, strike us as more complex. you cannot decouple this image/sound/music relationship, they work together. we see with our ears and hear with our eyes. i am all for bold decisions on all fronts!!!
martin: watching the willem dafoe starring movie “inside,” it feels like the soundtrack you composed is holding back in a particular way. is this intentional or can it be traced directly to this fact?
frederik: in this case, the director was fully on board with any crazy scheme i could come up with. vasilis has an incredibly well tuned ear, he can actually pick out single notes in a cluster and name them, quite astonishing. so he wasn’t rattled by too intense music, or too far-out harmony. but on the other hand, as a good director should, always looking out to make the scene better. he actually liked the “holding back.” he found it more compelling. and although i wrote some pretty heavy stuff in the beginning of the collab, i started seeing the point. but vasilis would love me to test the boundaries, push it, and then pull back. it gave the score a more reserved feel, more intentional, a bit more mature than what i started with.
martin: that sounds very satisfying for both sides. is it important to strive for this harmony, is that what you advise your students to do, or can there be a little more friction in the interaction with the respective client?
frederik: oh yes, very satisfying, and if i had the choice i would go for harmony always. at the same time, there is conflict and challenges. sometimes it’s in the creative, sometimes in the timing, in the financial, in the legal… in a film everyone wants the best for the project, but of course their priorities are different. the advice to my students is to be themselves, and make sound and music the way they feel it — be generous, intense, unafraid to experiment. this is both fun and gives great results. it’s not a tricky lesson.
the difficult lesson is that you need to try to do this and face daily criticism, feedback, other people’s opinions. you need to be flexible, and sometimes defend your own opinion, but meet the deadlines and stay within budget. it’s a tall order. plus you need to do this and still have a “life.” you want to be there for your wife and children, but that’s a whole other topic. if that works, if you get things balanced, this is a great profession. i still love it and still jump out of bed every morning to work on my music, my skills, my sound…
martin: dear frederik! many thanks for this exchange!!!
iir, august 2025
Vermächtnis, Erbe, Hinterlassenschaft, drei Begriffe für …
was eigentlich genau? Martin Eugen Raabenstein im Dialog
und mit der Frage, was am Ende des Tages übrigbleibt.
Martin: Lieber Frederik! Schön dich bei uns zu haben! Magst du dich bitte kurz vorstellen?
Frederik: Hallo, ich bin Frederik Van de Moortel, Komponist und Sounddesigner. Ich arbeite hauptsächlich mit bewegten Bildern, für Film, Fernsehen und Theater. Ich bin ausgebildet als Komponist und Bassspieler, außerdem lerne ich derzeit Violoncello. Mein Stil lässt sich wohl als elektroakustisch beschreiben. Je mehr ich mich damit beschäftige, desto mehr liebe ich es, mit klassischen Instrumenten zu arbeiten, auch mit dem klassischen Orchester als Basis. Auf der anderen Seite arbeite ich aber auch sehr gerne mit Synthesis, granularer Synthesis, analoger und digitaler Synthesis und allem Möglichen.
Ich liebe es auch zu forschen. Für jeden Film neige ich dazu, eine bestimmte Art von Film oder Technik oder Instrument oder Musiktheorie zu recherchieren, und versuche daraus gewisse Dinge abzuleiten und etwas zu tun, das ich noch nie zuvor getan habe – mich also in einem musikalischen oder filmischen Stil weiterzuentwickeln. Am Ende ist das Ergebnis fast immer eine Mischung aus akustischen und digitalen Klängen.
Martin: Wir sind nur für begrenzte Zeit auf diesem Planeten. Macht dir das Sorgen? Wie gehst du mit deiner Endlichkeit um?
Frederik: Die Frage betrifft unsere begrenzte Zeit auf diesem Planeten, und der erste Teil lautet: „Macht dir das Sorgen?“ Ich muss sagen: Nein. Es macht mir keine Sorgen, aber das ist wahrscheinlich naiv von mir. Doch ich kann nicht lügen. Ich bin über meine begrenzte Zeit auf diesem Planeten nicht beunruhigt.
Martin: Wie gehst du mit deiner Endlichkeit um?
Frederik: Gar nicht. Aber irgendwie habe ich immer, den Gedanken im Hinterkopf, dass meine Musik, meine Kunst, mich überleben wird, und ich denke, das ist ein tröstlicher Aspekt. Wenn Endlichkeit die Begrenztheit der Zeit, aber auch des Raums bedeutet, dann muss ich sagen, dass Musik für mich schon immer ein Weg war, mit Menschen von fast überall in Verbindung zu treten – und die Arbeit mit Musik für Film hat das sogar noch erweitert. Eines der Dinge, die ich am meisten liebe am Komponieren für Film, ist, dass es, obwohl wir ein kleines Land sind, oft Koproduktionen gibt, und das unserer überschaubaren belgischen Musiker- oder Künstlergemeinschaft die Möglichkeit gibt, an internationalen Filmen zu arbeiten – für mich also die Möglichkeit, mit Menschen aus der ganzen Welt zusammenzuarbeiten.
Wenn ich nur an die letzten Jahre denke: Ich habe mit einem russischen und einem syrischen Regisseur, beide im Exil, sowie mit einem weiteren syrischen Regisseur gearbeitet. Dazu mit Regisseuren aus Island, Griechenland und den USA. Kürzlich habe ich einen Film mit einem ukrainischen Regisseur fertiggestellt, der mitten in unserer Zusammenarbeit tatsächlich an die Front gehen musste. Wenn ich also all das bedenke, wird mir klar, dass die ganze Welt hier durch mein Studio geht. Sie sind alle kreative Menschen, die versuchen, ihre Gefühle, Ideen und Hoffnungen auszudrücken, und ich helfe ihnen dabei mit meiner musikalischen Komponente. Aber um das zu tun, muss ich sie verstehen, muss herausfinden, was sie antreibt, was sie mögen, was sie wollen, was das Ziel des Films ist. Ich muss ihnen unter die Haut gehen und in ihren Kopf hinein, und ich muss sie ziemlich gut kennenlernen. So erweitere ich mich aus meinem kleinen Studio hinaus, und es ist meine Art, die ganze Welt gleichzeitig in diesen Raum einzuladen. Das finde ich sehr erfüllend.
Martin: Offen zu sein und gleichzeitig deinem eigenen Gefühl treu zu bleiben – dein Stil ist aufregend, aber auch fordernd… Gibt es Grenzen, die du nicht überschreiten kannst oder willst?
Frederik: Wahrscheinlich eine ganze Menge. Mein Stil ist ein Mischmasch verschiedener Einflüsse, und in den frühen Stadien ist fast alles möglich – es gibt keine wirklichen „Tabus“ beim Erschaffen. Aber sobald die erste Idee steht, folgt immer ein strenger Prozess des Bearbeitens, Überarbeitens, Umformens und Streichens. Ich neige von Natur aus zu bestimmten Klängen und Ideen, und vieles überlebt die ersten paar Anhörungen nicht, wenn ich es langweilig, uninteressant oder mittelmäßig finde. Mir ist bewusst, dass manche meiner Musik am Ende „schwierig“ wirken kann, aber ich strebe das nie an. Im Gegenteil, ich würde mir wünschen, dass sie einfach und natürlich klingt – aber mit einer darunterliegenden Komplexität, die das wiederholte Hören belohnt.
Es ist ein bisschen wie bei einem Vogel im Flug: Die Mechanik und Physik sind unglaublich komplex, aber was man sieht, ist pure Eleganz. Es sieht nicht schwierig aus. Es gibt auch ethische Grenzen, die ich nicht überschreiten werde – vor allem beim Kopieren. Manchmal bittet mich ein Regisseur, einen Track, den er in seinem ersten Schnitt verwendet hat, direkt nachzubauen. Das mache ich nicht. Für mich ist das eine Beleidigung. Ich lasse mich gerne inspirieren, beeinflussen, zolle auch mit einer kleinen Hommage meinen Respekt – aber es gibt eine Grenze.
Martin: Ah ah, das kenne ich nur zu gut… Einmal habe ich für den Online-Launch einer neuen Fabrik eines bekannten deutschen Autoherstellers einen bereits veröffentlichten Track lizensiert. Sie zahlten ein Vermögen, es ist lange her, aber dann baten sie darum, den Beat herunterzuschrauben, dann die Gitarre zu löschen, und nach der dritten Korrektur war der Track tot, nur noch ein Tool… Noch einmal: Wie weit würdest du gehen, Frederik?
Frederik: Das hängt von so vielen Faktoren ab. Vom Medium zum Beispiel: Theater ist anders, weil es verschwindet, nach 10 oder 20 Aufführungen ist es von der Bühne – Film bleibt. Aber wenn ich für Film komponiere, ist das Teamarbeit, und ich versuche, die beste Musik für das Projekt zu machen. Nach vielen Versuchen und Irrtümern bedeutet es mir viel, wenn der Regisseur glücklich ist. Aber am Ende des Tages muss ich trotzdem stolz auf meine Arbeit sein. Einmal gab mir ein Regisseur eine Playlist mit 10 existierenden Tracks und sagte: „Kopiere die einfach, und du bist fertig.“ Den Job habe ich abgelehnt.
Martin: Kreativschaffende, besonders Filmregisseure, scheinen eine gewisse Scheu vor zu intensiver Filmmusik zu haben, das hast du sicher auch bemerkt… Was könnte der Grund dafür sein?
Frederik: Ja, das habe ich bemerkt, tatsächlich jedes Mal. Ich weiß es nicht, es ist eine gute Frage. Wahrscheinlich hat es mit der Angst zu tun, dass die Musik das Bild überlagert. Und vielleicht auf einer tieferen Ebene: Dass sie sich nicht sicher sind, ob ihr Bild und/oder ihre Geschichte stark genug ist, um von intensiver Musik begleitet zu werden. Das ist meiner Meinung nach ein Irrtum. Wenn du dich traust, solche Musik einzusetzen, bekommen deine Geschichte und dein Bild mehr Schichten, tiefere Farben, wirken komplexer. Man kann diese Beziehung von Bild/Ton/Musik nicht trennen, sie funktionieren zusammen. Wir sehen mit unseren Ohren und hören mit unseren Augen. Ich bin absolut für mutige Entscheidungen auf allen Ebenen!
Martin: In der Reflexion über „Inside“ mit Willem Dafoe kommt es mir so vor, als würde der Soundtrack, den du komponiert hast, sich in einer bestimmten Weise zurückhalten. Ist das Absicht oder hängt dies direkt damit zusammen?
Frederik: In diesem Fall war der Regisseur für jede noch so verrückte Idee offen, die ich einbringen konnte. Vasilis hat ein unglaublich geschultes Ohr, er kann tatsächlich einzelne Töne in einem Cluster heraushören und benennen – wirklich erstaunlich. Er war also nicht erschüttert von zu intensiver Musik oder erweiterter Harmonien. Aber andererseits hat er als guter Regisseur immer darauf geachtet, die Szene zu verbessern. Ihm gefiel tatsächlich das „Zurückhalten“, er fand es fesselnder. Und obwohl ich am Anfang der Zusammenarbeit ziemlich schwere Sachen geschrieben habe, fing ich an, seinen Punkt zu verstehen. Vasilis wollte, dass ich die Grenzen austeste, sie überschreite und dann wieder zurücknehme. Das gab dem Score ein zurückhaltenderes, bewussteres, etwas reiferes Gefühl als das, womit ich begonnen hatte.
Martin: Das klingt sehr befriedigend für beide Seiten. Ist es wichtig, nach dieser Harmonie zu streben? Rätst du das auch deinen Studenten, oder darf es auch ein bisschen mehr Reibung im Umgang mit dem jeweiligen Klienten geben?
Frederik: Oh ja, sehr befriedigend, und wenn ich die Wahl hätte, würde ich immer die Harmonie wählen. Gleichzeitig gibt es aber auch Konflikte und Herausforderungen. Manchmal kreativ, manchmal im Timing, manchmal finanziell, manchmal rechtlich… Bei einem Film wollen alle das Beste für das Projekt, aber natürlich sind ihre Prioritäten unterschiedlich. Mein Rat an meine Studenten ist: Seid ihr selbst und macht Klang und Musik so, wie ihr es fühlt – seid großzügig, intensiv, unerschrocken im Experimentieren. Das macht Spaß und bringt großartige Ergebnisse. Das ist keine schwierige Lektion.
Die heikle Lektion ist, dass man all das versuchen und gleichzeitig tägliche Kritik, Feedback und die Meinungen anderer aushalten muss. Man muss flexibel sein, manchmal seine eigene Meinung verteidigen, aber trotzdem Fristen einhalten und im Budget bleiben. Das ist eine große Herausforderung. Und man muss das tun und trotzdem ein „Leben“ haben. Man will für seine Frau und seine Kinder da sein, aber das ist ein ganz anderes Thema. Wenn dies gelingt, wenn man das ins Gleichgewicht bringen kann, ist es ein großartiger Beruf. Ich liebe ihn immer noch und hüpfe jeden Morgen aus dem Bett, um an meiner Musik, meinen Fähigkeiten und meinem Klang zu arbeiten…
Martin: Lieber Frederik! Vielen Dank für diesen Austausch!!!
iir, august 2025