relevance & return
this episode:
helmut neugebauer
musician, composer, producer & teacher, vienna
photo © helmut neugebauer, at younger ages
legacy, inheritance, heritage, three terms for … what exactly?
martin eugen raabenstein in dialogue and with the question
of what remains at the end of the day.
martin: dear helmut! nice to have you with us! would you please introduce yourself briefly?
helmut: hello martin, nice to be here! they say a real viennese has to have two pairs of czech grandparents … i fulfill that, so whether i like it or not, i’m very connected to this city. i actually come from the visual arts, studied painting in vienna, and then only very late decided on music. later came the fascination came later with electronics, a special interest in control processes in live performance. stylistically there were never any boundaries: i transcribed coltrane solos and sampled sounds at the junkyard, i always wanted to know exactly, maybe in order not to have to do it anymore and to create space for something new.
martin: we are only on this planet for a limited time. does that trouble you? how do you deal with your finiteness?
helmut: i had big problems with that … it got a little better when, around the age of 20, i found an antidote: that i hadn’t been there before either, and that hadn’t hurt me. but almost 50 years later i find my comfort in the conviction that the fact that we humans perceive the world as separate from us is an illusion and simply wrong. we are already the world ourselves, and therefore we cannot make a statement that goes beyond ourselves – like baron münchhausen, who pulls himself out of the swamp by his own hair. but that doesn’t work. so there is no reason for concern, and we can keep partying as long as we’re here. the rest we can’t know as long as we’re stuck in our bodies. when i manage to surrender, i feel good and find it very comforting to be part of a whole.
martin: did your turn toward music come out of the visual arts, or were there other influences?
helmut: the music was already there before. i always had the urge to express myself acoustically and found it exciting and thrilling to stand in front of people and play the master of ceremonies – i just thought i was far too nervous to actually become a professional musician. at first there were piano lessons, at 12 came the guitar, and at 15 the flute, and soon after the saxophone. i originally wanted to study jazz flute, which didn’t exist in vienna, and i also tried the entrance exam for a newly established jazz saxophone class in the early 70s – unfortunately in vain. at the time it was very popular and they only admitted a few – today they’re happy if anyone shows up. anyway, i was obviously too bad for saxophone, my flute playing was good but there were no courses for that. so i had no choice but to continue as an autodidact.
the entrance exam to the university of applied arts in vienna worked out right away without much effort – i then took it very seriously for 4 years. that was an incredibly exciting and thrilling time: beuys was in vienna, as well as bazon brock, kaiserling, and many others. i was also a member of peter weibel’s band noa noa. the performative and visual arts were closely intertwined. art lovers also went to concerts, and it was always the same people – a scenic mixture, hardly imaginable from today’s perspective. i think the real reason for my return to music was the realization that an art devoted to the moment is the greatest thing you can have, even if you shit your pants from fear.
then came the big disillusionment: diving into the jazz scene of the 80s, simultaneously with the creative dilettantes from berlin. with one side it was stupid high-performance sport with maximum competition pressure, the others despised any kind of virtuosity. artistically i was of course with the dilettantes, but that wasn’t enough for me: i also wanted to master my instruments, and so once again i was stuck between all chairs.
martin: in the early 80s i was only a consumer, from 1983 on i was heavily annoyed by developments in electronic music and then became completely enthusiastic about the beginnings of hip hop. it had an enormous pull, a different new force, and sampling – even if initially handmade – began. how did you perceive this new technique of simply building on a james brown loop and then developing it further for your own purposes?
helmut: i was immediately totally fascinated and i believe that with my then band project die vögel europas we were, in the mid-80s, one of the first to use samplers live. there’s a nice story about this: the first thing i sampled were sounds from elliott sharp (marco polo’s argali was the album). i only had very limited memory (floppy disks with 2 mb!), and from the beginning it was less about a rhythm loop as a basis than about sound snippets used on the same level as the instruments in the overall context. it so happened that we played as the opening act for elliott sharp’s carbon at schlachthof wels. the exciting part was that elliott listened to our performance and i noticed it on stage – i thought, “omg, he’s hearing his own sounds now and is surely mad,” but he was very pleased and suggested a collaboration. that was great and very encouraging to keep going.
another story from those days was a meeting with fm einheit of einstürzende neubauten: somehow, after a gig at loft in berlin, contact was made and we invited him to vienna as a guest on our then album best before. i was very curious how he would bring his chainsaws, drills, etc. to vienna. he got off the plane with a sampler under his arm without packaging and a few floppy disks in his vest pocket, and was terribly afraid that the electronic gate at the airport he had to pass through would erase his floppy disks. luckily that didn’t happen, and so the chainsaws came to die vögel europas. almost 4 decades later i still work with samples in the same way – only now, thanks to faster computers and virtually unlimited storage space, i always strive for an interaction between the digital and the analog level. so not just firing off a sample, but what’s fired off influences my playing in real time – and vice versa.
martin: i don’t have a pronounced sense of an analog/digital balance and i think the product is built on the computer anyway and, especially today, consumed mostly purely digitally. the track has to work on its own, and i still smile when i think of how my mixer back then, in the early 2000s, frowned trying to recreate the illusion of an analog sound space. the latin/lounge/nu jazz greats around kruder & dorfmeister were also very eager, but compared to a real jazz recording, the smoothed and rounded sample never stood a chance. so why even try?
helmut: i never understood the effort to imitate an analog sound. it has always been that way: new instruments were only taken seriously if they sounded like something that was already known and could be classified. the saxophone, invented around 1900, was only accepted if it sounded like a cello and could be used in an orchestra; just as with the theremin; and 100 years later the same applies with drum sounds versus real drums. i always found such discussions ridiculous, unnecessary, and due only to the inability to engage with something new. but i see myself as a live musician, i love jazz, and by now i’m pretty good at it – i want new, unheard sounds around me, and that works great with the new technology. my task is not to produce marketable music, but the magic of the moment. turning it into a trend then is the job of kruder & dorfmeister.
martin: most creatives, once they reach a certain level of experience, feel the urge to pass on this knowledge, no matter how complex it may appear in different media. would you like to share your thoughts on that?
helmut: in the beginning, as a freshman myself, i was already teaching – quite a chutzpah from today’s perspective – but i felt less of the urge you mentioned and more saw an opportunity to finance my life as an artist. i really thought it was about school-like knowledge transfer and never understood why students, despite initial enthusiasm, then stopped coming or called five minutes before the lesson to say they were sick. today i know that ingrained patterns were repeating themselves here, and i myself, as a young man, also refused everything some pseudo-authorities demanded of me.
much later i set up a media music class for a private university in vienna and got resistance of a completely different kind – from students i couldn’t connect with, and the other way round. they wanted a toolkit for the profession – or what they thought it was – like a catalog of which sounds to use for film scores or something alike. that nothing truly exciting or new could ever come from this construction-kit idea i simply couldn’t make them understand, and so i was very frustrated.
teaching only started to work for me once i realized that, in an age where all information is available everywhere on the net, you don’t need an information provider anymore – rather a companion. it took me a long time to understand that it’s never about the result, but the process. for some years now i’ve been having fulfilling experiences with my students in this regard. i tend to focus on very young and older people, and so i’m spared the high and painful competition pressure suffered by everyone who wants to make this their profession …
martin: i understand the problem very well, but i also see that it always comes down to a student/teacher combination that simply has to fit. i myself, as a teacher, lack that certain smoothness – are we perhaps just too taken with our own way of approaching things?
helmut: yes, exactly, i think that’s the point. you took the words right out of my mouth …
martin: dear helmut! thank you for this exchange!!!
iir, september 2025
Vermächtnis, Erbe, Hinterlassenschaft, drei Begriffe für …
was eigentlich genau? Martin Eugen Raabenstein im Dialog
und mit der Frage, was am Ende des Tages übrigbleibt.
Martin: Lieber Helmut! Schön dich bei uns zu haben! Magst du dich bitte kurz vorstellen?
Helmut: Hallo Martin, schön hier zu sein! Man sagt, ein echter Wiener muss zwei Paar tschechische Großeltern haben … das erfülle ich, bin also, ob ich will oder nicht, sehr mit dieser Stadt verbunden. Ich komme eigentlich aus der bildenden Kunst, habe in Wien Malerei studiert und mich dann eigentlich sehr spät doch für Musik entschieden. Später kam die Faszination für Elektronik dazu, mit einem besonderen Interesse an Steuerprozessen im Liveeinsatz. Stilistisch gab es nie Grenzen: Ich habe Coltrane-Soli transkribiert und Sounds auf dem Schrottplatz gesampelt, wollte es immer genau wissen – vielleicht, um es dann nicht mehr machen zu müssen und Raum für etwas Neues zu schaffen.
Martin: Wir sind nur für eine begrenzte Zeit auf diesem Planeten. Beunruhigt dich das? Wie gehst du mit deiner Endlichkeit um?
Helmut: Ich hatte große Probleme damit … ein bisschen besser ging’s mir, als ich mit ungefähr 20 ein Gegengift gefunden habe: dass ich ja auch vorher nicht da war und mir das nicht wehgetan hat. Aber so fast 50 Jahre später finde ich meinen Trost in der Überzeugung, dass die Tatsache, dass wir Menschen die Welt als getrennt von uns wahrnehmen, eine Illusion und einfach falsch ist. Wir sind bereits selbst die Welt und können daher keine Aussage machen, die über uns selbst hinausgeht – wie bei Baron Münchhausen, der sich am eigenen Schopf aus dem Graben zieht. Das geht aber leider nicht. Es ist also kein Grund zur Beunruhigung, und wir können weiter Party machen, solange wir hier sind. Den Rest können wir nicht wissen, solange wir in unserem Körper stecken. Wenn ich es schaffe, mich zu ergeben, geht’s mir gut und ich finde es sehr tröstlich, Teil eines Ganzen zu sein.
Martin: Hat sich deine Wendung zur Musik hin aus der bildenden Kunst heraus ergeben, oder waren das andere Einflüsse?
Helmut: Die Musik war vorher schon da. Ich hatte immer den Drang, mich akustisch auszudrücken und es aufregend und spannend gefunden, vor Menschen zu stehen und den Zeremonienmeister zu machen – ich dachte nur, viel zu nervös zu sein, um tatsächlich professioneller Musiker zu werden. Am Anfang war der Klavierunterricht, mit 12 kam die Gitarre und mit 15 die Querflöte dazu, bald darauf das Saxofon. Ich wollte ursprünglich Jazzflöte studieren, was es aber in Wien nicht gab, und habe auch die Aufnahmsprüfung in der in den frühen 70ern neu eingerichteten Jazzsaxofonklasse gemacht – leider vergeblich. Damals war das sehr populär und sie haben nur wenige aufgenommen – heute sind sie froh, wenn irgendwer kommt. Wie auch immer, für Saxofon war ich offensichtlich zu schlecht, mein Flötenspiel war gut, aber dafür gab es keine Kurse. So blieb mir nichts anderes übrig, als autodidaktisch weiterzumachen.
Die Aufnahmsprüfung an der Hochschule für angewandte Kunst in Wien hat ohne viel Aufwand sofort geklappt – ich habe das dann 4 Jahre sehr ernst genommen. Das war eine unheimlich aufregende und spannende Zeit: Beuys war in Wien und Bazon Brock und Kaiserling und viele andere. Ich war auch Mitglied in Peter Weibels Band Noa Noa. Die performativen und bildenden Künste waren sehr verzahnt. Kunstinteressierte gingen auch zu Konzerten, und es waren immer die gleichen Leute – ein szenisches Gemisch, aus heutiger Sicht kaum mehr vorstellbar. Ich glaube, der wirkliche Grund für meinen Wechsel zurück zur Musik war die Einsicht, dass eine Kunst, dem Moment verpflichtet, das Größte ist, was man haben kann – auch wenn man sich vor Angst anscheißt.
Dann kam die große Ernüchterung: das Eintauchen in die Jazzszene der 80er, zeitgleich mit den Kreativen Dilettanten aus Berlin. Bei den einen war stupider Hochleistungssport mit maximalem Konkurrenzdruck angesagt, die anderen haben jede Art von Virtuosität verpönt. Künstlerisch war ich natürlich bei den Dilettanten, aber das hat mir nicht genügt: Ich wollte auch meine Instrumente beherrschen, und damit war ich wieder einmal zwischen allen Stühlen.
Martin: Ich war in den frühen 80ern nur Konsument, ab 1983 von den Entwicklungen in der elektronischen Musik schwer genervt und bin dann völlig enthusiastisch in den Anfängen des Hip-Hop aufgegangen. Das hatte einen ungeheuren Sog, eine andere, neue Kraft, und Sampling – wenn auch zunächst handgemacht – nahm seinen Anfang. Wie empfandest du diese neue Technik, einfach auf einem James-Brown-Loop aufzubauen und diesen dann für seine eigenen Zwecke weiterzuentwickeln?
Helmut: Ich war sofort total fasziniert und glaube, wir waren mit meinem damaligen Bandprojekt Die Vögel Europas Mitte der 80er einer der ersten, die Sampler live einsetzten. Dazu gibt es eine schöne Geschichte: Das erste, was ich gesampelt habe, waren Sounds von Elliott Sharp (Marco Polos Argali hieß das Album). Ich hatte ja nur sehr beschränkten Speicher (Floppydisks mit 2 MB!) und es ging von Anfang an weniger um einen Rhythmus-Loop als Basis, sondern um Soundschnipsel, die mit den Instrumenten auf gleicher Ebene im Gesamtkontext eingesetzt wurden. Es hatte sich ergeben, dass wir als Vorgruppe zu Elliott Sharps Carbon im Schlachthof Wels spielten. Das Spannende war, dass sich Elliott unseren Auftritt anhörte und ich das auf der Bühne mitgekriegt habe – ich dachte: „OMG, der hört jetzt seine eigenen Sounds und ist sicher sauer!“ Aber er war sehr angetan und hat mir eine Zusammenarbeit vorgeschlagen. Das war großartig und sehr ermutigend, so weiterzumachen.
Eine weitere Geschichte aus diesen Tagen war eine Begegnung mit FM Einheit von den Neubauten: Irgendwie hat sich nach einem Auftritt im Loft in Berlin der Kontakt ergeben, und wir haben ihn nach Wien eingeladen als Gast auf unserem damaligen Album Best Before. Ich war sehr gespannt, wie er seine Kettensägen, Bohrmaschinen usw. nach Wien bringen wird. Er stieg mit einem Sampler ohne Verpackung unterm Arm aus dem Flieger und ein paar Floppydisks in der Westentasche und hatte große Angst, dass das elektronische Gate am Flughafen, das er passieren musste, seine Floppydisks löschen würde. Das war gottseidank nicht der Fall, und so kamen die Kettensägen zu den Vögeln Europas. Fast 4 Jahrzehnte später gehe ich immer noch genauso mit Samples um – nur dass ich dank der schneller gewordenen Rechner und des nahezu unbegrenzten Speicherplatzes immer eine Wechselwirkung zwischen der digitalen und der analogen Ebene anstrebe. Also nicht nur ein Sample abfeuern, sondern das Abgefeuerte beeinflusst mein Spiel in Echtzeit – und vice versa.
Martin: Ich habe da keinen ausgeprägten Sinn nach einer analog/digitalen Ausgeglichenheit und bin der Meinung, dass das Produkt ohnehin auf dem Rechner konstruiert und vor allem in der heutigen Zeit größtenteils rein digital konsumiert wird. Der Track soll in sich stimmen, und ich muss immer noch schmunzeln, wie mein Mixer damals, Anfang der 2000er, noch stirnrunzelnd versuchte, die Illusion eines analogen Klangraumes nachzuempfinden. Die Latin-/Lounge-/Nu-Jazz-Größen um Kruder & Dorfmeister waren da ebenfalls sehr bemüht, aber gegen eine echte Jazzaufnahme konnte das glatt- und rundgerechnete Sample nie anstinken. Warum es also erst versuchen?
Helmut: Ich habe das Bemühen, einen analogen Klang nachzumachen, nie verstanden. Das war schon immer so: Neue Instrumente wurden nur ernst genommen, wenn sie so klangen wie etwas, das man schon gekannt und einordnen konnte. Das um 1900 erfundene Saxofon war nur akzeptiert, wenn es wie ein Cello klang und im Orchester eingesetzt werden konnte, beim Theremin war es ebenso, und 100 Jahre später gilt dasselbe mit Drumsounds versus echtes Schlagzeug. Ich fand solche Diskussionen immer lächerlich, überflüssig und nur der Unfähigkeit geschuldet, sich auf Neues einzulassen. Aber ich sehe mich als Livemusiker, liebe den Jazz und bin da mittlerweile ziemlich gut – ich will neue, ungehörte Klänge um mich herum haben, und das geht prima mit der neuen Technologie. Meine Aufgabe ist es nicht, marktgerecht zu produzieren, sondern die Magie des Moments. Einen Trend daraus zu machen, ist dann die Aufgabe von Kruder & Dorfmeister.
Martin: Die meisten Kreativen haben ab einem gewissen Erfahrungsstand den Drang, dieses Wissen weiterzugeben, so komplex dies auch in unterschiedlichen Medien erscheinen mag. Möchtest du uns darüber an deinen Gedanken teilhaben lassen?
Helmut: Ich habe am Anfang noch als Anfänger unterrichtet – eine ganz schöne Chuzpe aus heutiger Sicht – und habe aber weniger diesen angesprochenen Drang verspürt als vielmehr eine Möglichkeit gesehen, damit mein Leben als Künstler zu finanzieren. Ich dachte wirklich, es ginge um eine schulische Wissensvermittlung und habe nie verstanden, warum die Schüler trotz anfänglicher Begeisterung dann ausblieben oder 5 Minuten vor der Stunde anriefen, dass sie krank wären. Heute weiß ich, dass sich hier eingelernte Muster wiederholten und ich selbst damals als Junger auch alles verweigert habe, was irgendwelche Pseudoautoritäten von mir verlangten.
Viel später richtete ich für eine private Uni in Wien eine Medienmusikklasse ein und bekam Gegenwind ganz anderer Art zu spüren – von Studenten, mit denen ich nichts anfangen konnte, und umgekehrt. Die wollten ein Rüstzeug für diesen Beruf – oder das, was sie dafür hielten – also zum Beispiel einen Katalog, welche Sounds man für Filmscores verwendet oder Ähnliches. Dass mit dieser Baukasten-Vorstellung niemals etwas wirklich Spannendes oder Neues entsteht, konnte ich ihnen einfach nicht vermitteln und war darum sehr frustriert.
Lehren funktioniert bei mir erst, seit ich begriffen habe, dass man keinen Informationsvermittler mehr braucht in einer Zeit, in der alle Infos überall aus dem Netz zu bekommen sind – eher einen Begleiter. Es hat lange gedauert, bis ich verstanden habe, dass es niemals ums Ergebnis, sondern vielmehr um den Prozess geht. Seit einigen Jahren mache ich dahingehend beglückende Erlebnisse und Erfahrungen mit meinen Schülern. Ich habe da eher auf ganz junge und ältere Menschen fokussiert, und so bleibt mir der hohe und leidige Konkurrenzdruck erspart, unter dem alle leiden, die das zum Beruf machen wollen …
Martin: Ich verstehe das Problem sehr wohl, sehe aber auch, dass es immer um eine Schüler-/Lehrer-Kombination geht, die einfach passen muss. Mir selbst als Lehrer fehlt dieser gewisse geschmeidige Zug – sind wir möglicherweise einfach zu angetan von unserer eigenen Art, die Dinge anzugehen?
Helmut: Ja genau, ich denke, das ist der Punkt. Du nimmst mir die Worte aus dem Mund …
Martin: Lieber Helmut! Vielen Dank für diesen Austausch!!!
iir, september 2025