relevance & return
this episode:
manfred peckl
artist & performer, berlin
photo © manfred peckl, at younger ages
legacy, inheritance, heritage, three terms for … what exactly?
martin eugen raabenstein in dialogue and with the question
of what remains at the end of the day.
martin: dear manfred! nice to have you with us! would you please introduce yourself briefly?
manfred: painting, drawing, collage, sculpture, object, photo, performance, music, poetry and theory, concept and action. everything has to do with everything, like film. much is interdependent, intertwining. this is my work, art with all means for all senses.
martin: we are only on this planet for a limited time. does that trouble you? how do you deal with your finitude?
manfred: i dislike sleeping very much, i constantly exhaust myself, like a young alien who really wants to try every rollercoaster, ghost train, free fall ride, go-kart, shooting … everything once more before it has to move on. this is a form of intensity compensation – packing as much as possible into the stay here, as quickly as possible. the miracle of experience is objectified into art, left behind as a gift to the world.
martin: compensating intensity, that is exciting and would also fascinate spock the alien. do you perceive this as osmosis, as balancing an outer with an inner tension? am i understanding you correctly?
manfred: in life and art alike, my aim is to twitch, vibrate, flicker and shimmer simultaneously on many levels, down, up. keeping the overdose of color fluid in cold shock while an echo of thought finds form, changes and sounds – it is less about balance than about tension. as contradictory as that seems, tension finds its perfection in harmony.
martin: this contradiction expresses itself wonderfully in your various media forms of expression: while you, as singer in a band and as performer, give powerful expression to the animal in you, your works in the field of visual art are rather contemplative. do you see this in sum as a coherent unity, or does your being oscillate between these poles? does your ball, so to speak, always roll into the next hole?
manfred: it’s a kind of jekyll/hyde thing, but steerable at will and of course an inseparable unity – unbounded at the poles, nuanced in between. i sing, for example, while painting, i dance while drawing. i like to play strange tics during contemplative activities: repetition excesses, restriction training … this way patterns solidify that can be released in performing without thinking. here only the moment counts, embodied, proclaimed in concentrated intensity. the meta-level reality always remains present, is included. in fact, everything is always dialogue. probably there would be no performances without the images. the urge and the necessity to play the images, sculptures, ensembles only arises through calm.
martin: the viennese actionists were very intensely occupied with staging their physicality, the man with the trimmed little mustache also flailed very excitedly with his arms – is frankenstein’s creature an austrian?
manfred: in parts, viennese actionism was a freudian slip. societal constraints practically forced it, thus all could become free. where are we now? at the crossroads of being forced back into the brown dirt! not only in österland, which should not be called reich, pus seeps from the soil. the österlanders, a mixture from their borders, were the first europeans. genetically unidentical, österlanders hate the mélange from which cultural richness comes. the lipizzaners, purebred, white, are supposed to represent österlandic identity as an artistic feat. it does not look as evil as it is meant. but the beautiful is truly the beautiful in it. it’s complicated.
martin: well then. i would have placed the multilateral cultural mixture as europe’s basic pattern more in italy, but i too have austrian elements rushing through my blood, so i’ll go along with that. that boot-shaped country also played no small part in stirring up brown soups, only its superior airs over the so-called other probably draw from deeper, older sources. there are voices saying that art, or rather culture, can bridge divides. do you share that view?
manfred: absolutely, that’s what we work on, that’s why we speak. with different strategies, from sensitization to provocation and action, we can have social impact. the hostile takeover of youth cultural forms of articulation by the new right shows negatively how well this can work. culture is identity-shaping, positively as well as negatively. the culture war is started by the right on schoolyards. as important as it is, art in galleries, museums and biennales will hardly be able to counter this, as it acts in a target-group-limited way. through pop-cultural interventions, for example, we can reach soft parts, aim at stomachs, hearts and brains – dj sets are not enough. florentina holzinger has been doing this very well for quite some time. through the reference system of art, she draws, for example, on viennese actionism, liberates it from its patriarchal corset, reaches the masses precisely through her drastic approach. the snobbish view of successful concepts as pandering goods is outdated here. underground here is mainstream without betrayal of itself, total theater. but it does not bridge divides, it shits them shut.
martin: there is no more common sense. the self-intoxicated society without inner cohesion scatters its atomized microcosms into the net as if that still held any meaning. in order to consolidate into an identitarian mass, each one needs a corresponding enemy image, which then may be spit on heartily and joyfully. an interesting parallel to this is your engagement with typography and characters – how should we categorize these works?
manfred: in fact the works point to introspection, to thinking, being, identity. there are different groups of works within the writing pieces. i began in the early 90s with stamp pictures. no brushstroke, but chains of word repetitions – like AUGENAUGEN – in which terms shift, formed the basis of the images. between AUGEN stands GENAU. exactly between the eyes sits the direct hit, aiming at the brain. that’s my target: thinking and perceiving simultaneously. the stamped images, depending on motif and word shift, create different metaphors.
twenty years later i realized that i don’t need repetition to bring about transformation. a word closed in on itself, modeled in a circle, changes just the same, depending on which letter you start reading with. earth becomes heart becomes hear the art. performing in this sculpture, i am at the center of the world the center of art, voicing it from the bottom of my heart. then there are the mantras, the words repeated in circles with their floral or mask-like appearance. some of them are names, which, in repetition, undergo gender shifts. sonja becomes jason, ali becomes lia, adam, the biblical first man, becomes madam and thus the first woman. as heads in stick figure sculptures, they transfer the first figurative depiction of humans from their genderlessness into a figure of man and woman.
the anger ranger, with my ANGERANGER crown and WORDSWORD scepter, fighting for the freedom of art, is a role model in which i can act completely freely. then there are the one-word poems, pictures in which a word, overlapped multicolored and transparent in a circle, experiences its painterly formation. the respective form with its specific internal order arises from the ambivalence of signs and spaces, spoken and unspoken. language can be both connecting and separating element. all these works operate on the central nerve of viewers in a positive way, opening thinking through seeing.
martin: are the colorful acrylic headpieces you like to use in your performances a reminiscence of the facehugger from the first alien film – a hostile and ultimately deadly takeover of the host body – or do you ironically reference the idea of nerdy tin foil hats? the exact opposite of what you just described …
manfred: the silicone masks are to be read as an attack of colors on the being. depending on which of the color masks i operate as art slave, i change my behavior according to the respective color. as artifacts of occupation, the masks are painting quotations that, worn on the head, unleash their psychoactive power. the dripping and paint-bag-throw quotations in the deeply psychedelic landscape paintings from the same time are likewise attacks – here on my own work. the energy exchange between attacked author and attacked work is obvious. clearly, it is a takeover of the host artist as pseudo-religious exaggeration, in which, through possession rituals and glossolalia, the very work just attacked is invoked in scenarios of worship. seriousness behind irony is imperative. as sculptures, the paint splashes remain on stands in dialogue with the paintings in the exhibition space. the audience remains alive, now happy.
martin: heavens help, a happy audience – that sounds more like a sermon. a gentle exorcism, so to speak. do you fill in the trenches with pre-warmed cotton balls?
manfred: the image of the happy audience cleansed of life’s burden is of course a lie. i had hoped people would believe me. in fact, after an art slaves performance in rotterdam, someone asked me for salvation. i had to tell him that was not intended. he was very upset. poor guy! i never understood either that salvation is desired or that it is expected from someone else.
martin: art can only give answers where questions are asked. why don’t you give him what he asks for? do you think you actually cannot, or do you refuse, for whatever reason? the sender-receiver function, clearly intended, is in art often very emotional, sometimes shifted into the mystical. the gods in this para-religion change quickly and unpredictably – could that explain your hesitation?
manfred: my work is the answer to his question. just because he doesn’t like it doesn’t mean it’s not an answer. that troubles him – good. the art slaves performances overdrive in their “the moment determines being” attitude. the pseudo-spiritual as a delusional show, in color masks endowed with superpop power, agitates people. their voyeurism is suffused with curiosity and the need for distance, fear and desire at the same time. they witness an eruptively unleashed primal force that they do not dare to unleash themselves, and thus do not have. but the clearly legible hyperbole should guarantee distance to one’s own perception – especially if that drifts into a mystified “truth”. i improvise in many performances in a reference system of subconscious, meta-levels, quotations and reality. vice versa, self-perception implies external effect. live, this also applies to the audience in relation to me. i perceive myself and the people as they perceive themselves and me, and i include them in the action again consumed by them. guruhood, however, is utterly alien to me. that’s why i wouldn’t hesitate to give someone as an answer no answer. but there is always my work as answer, as question. here, that is one and the same.
martin: dear manfred! thank you for this exchange!!!
iir, september 2025
Vermächtnis, Erbe, Hinterlassenschaft, drei Begriffe für …
was eigentlich genau? Martin Eugen Raabenstein im Dialog
und mit der Frage, was am Ende des Tages übrigbleibt.
Martin: Lieber Manfred! Schön dich bei uns zu haben! Magst du dich bitte kurz vorstellen?
Manfred: Malerei, Zeichnung, Collage, Skulptur, Objekt, Foto, Performance, Musik, Poesie und Theorie, Konzept und Aktion. Alles hat mit allem zu tun, wie Film. Vieles bedingt einander, greift ineinander. Das ist meine Arbeit, Kunst mit allen Mitteln für alle Sinne.
Martin: Wir sind nur für eine begrenzte Zeit auf diesem Planeten. Beunruhigt dich das? Wie gehst du mit deiner Endlichkeit um?
Manfred: Ich schlafe sehr ungern, verausgabe mich ständig, wie ein junges Alien, das wirklich jede Achterbahn, Geisterbahn, Freie-Fall-Attraktion, Go-Kart, Schießen … alles nochmal ausprobieren will, bevor es weiter muss. Das ist eine Form von Intensitätskompensation – so viel wie möglich, so schnell es geht reinzupacken in den Aufenthalt hier. Das Wunder des Erlebens wird verdinglicht zur Kunst als Geschenk an die Welt zurückgelassen.
Martin: Intensität kompensieren, das ist ja spannend und würde Spock den Außerirdischen auch faszinieren. Empfindest du das als Osmose, als Ausgleich einer äußeren zu einer inneren Spannung? Verstehe ich dich da richtig?
Manfred: Mir geht es in Leben und Kunst gleichermaßen darum, auf vielen Ebenen simultan zu zucken, vibrieren, zu flackern und flimmern, hinunter, hinauf. Die Überdosis Farbe im Kälteschock flüssig halten, während ein Gedankenecho Form findet, sich wandelt und tönt – da geht es mir weniger um Ausgleich als um Spannung. So widersprüchlich das anmutet, findet Spannung ihre Perfektion in Harmonie.
Martin: Dieser Widerspruch drückt sich ja wunderbar in deinen diversen medialen Ausdrucksformen aus: Während du als Sänger in einer Band und als Performer dem Tier in dir den wirkmächtigen Ausdruck verleihst, sind deine Arbeiten im Bereich Bildende Kunst eher kontemplativ. Siehst du das in der Summe als zusammengehörige Einheit, oder oszilliert dein Wesen zwischen diesen Polen? Rollt deine Kugel sozusagen immer ins nächste Loch?
Manfred: Das ist so ein Jekyll/Hyde-Ding, aber nach Belieben steuerbar und natürlich eine untrennbare Einheit – entgrenzt an den Polen, nuanciert im Dazwischen. Ich singe z. B. beim Malen, tanze beim Zeichnen. Gerne spiele ich komische Ticks während der kontemplativen Tätigkeiten: Repetitionsexzesse, Einschränkungstrainings … So verfestigen sich Muster, die beim Performen ohne zu denken freigesetzt werden können. Hier gilt dann nur der Moment, der in konzentrierter Intensität verkörperlicht, verlautet wird. Die Metaebene Realität bleibt stets präsent, wird einbezogen. Eigentlich ist immer alles Dialog. Wahrscheinlich gäbe es ohne die Bilder keine Performances. Der Drang und die Notwendigkeit, die Bilder, Skulpturen, Ensembles zu bespielen, entsteht erst durch die Ruhe.
Martin: Die Wiener Aktionisten waren sehr intensiv mit der Inszenierung ihrer Körperlichkeit beschäftigt, der Mann mit dem mittig gestutzten Schnurrbärtchen fuchtelte auch sehr erregt mit den Armen – ist Frankensteins Kreatur ein Österreicher?
Manfred: Stellenweise war der Wiener Aktionismus ein freudscher Versprecher. Die gesellschaftlichen Begrenzungen erzwangen ihn richtiggehend, damit alle frei hätten werden können. Wo stehen wir jetzt? Am Scheideweg zur Rückverzwangung in den braunen Dreck! Nicht nur in Österland, das nicht Reich heißen sollte, eitert’s aus den Böden. Die Österländer, eine Mischkulanz aus ihren Rändern, waren die ersten Europäer. Genetisch unident, hassen Österländer die Melange, aus der der kulturelle Reichtum kommt. Die Lipizzaner, reinrassig, weiß, sollen österländische Identität als Kunststück darstellen. Das sieht nicht so böse aus, wie es gemeint ist. Das Schöne ist aber wirklich das Schöne daran. Es ist kompliziert.
Martin: Jenun. Ich hätte das multilaterale Kulturgemenge als europäisches Grundmuster eher nach Italien verlegt, aber auch bei mir rauscht ein österreichischer Bestandteil durch meine Blutbahnen, also gehe ich hier einfach mit. Eben jenes stiefelförmige Land hat an der Anmischung brauner Suppen keinen unerheblichen Anteil, nur schürft das superiore Gehabe über das sogenannt Andere wohl aus tieferen, älteren Quellen. Es gibt Stimmen, die besagen, Kunst respektive Kultur könne Gräben überwinden. Bist du auch dieser Ansicht?
Manfred: Unbedingt, daran arbeiten wir, darum sprechen wir. Mit unterschiedlichen Strategien von Sensibilisierung bis Provokation und Aktion können wir gesellschaftlich einwirken. Die feindliche Übernahme jugendkultureller Artikulationsformen der neuen Rechten zeigt im Negativen, wie gut das funktionieren kann. Kultur ist identitätsbildend, positiv wie negativ. Den Kulturkampf beginnen die Rechten auf den Schulhöfen. So wichtig sie ist, wird Kunst in Galerien, Museen und Biennalen dem wenig entgegensetzen können, da sie zielgruppenbeschränkt wirkt. Über popkulturelle Interventionen zum Beispiel können wir Weichteile erreichen, Mägen, Herzen und Hirne ansteuern – DJ-Sets reichen da eher nicht aus. Florentina Holzinger gelingt das seit geraumer Zeit sehr gut. Über das Referenzsystem Kunst bedient sie sich zum Beispiel auch am Wiener Aktionismus, befreit diesen aus dem patriarchalen Korsett, erreicht die Massen gerade durch ihre Drastik. Die snobistische Sicht auf Erfolgskonzepte als Anbiederungsware hat hier ausgedient. Underground ist hier Mainstream ohne Verrat an sich selbst, totales Theater. Gräben überwindet sie aber keine, sie scheißt sie zu.
Martin: Es existiert kein Gemeinsinn mehr. Die selbstbesoffene Gesellschaft ohne inneren Zusammenhalt hingegen streut munter ihre atomisierten Mikrokosmen ins Netz, als wäre dies von jedweder weiteren Bedeutung. Um sich letztendlich in ihrer identitären Masse zu festigen, benötigt ein jeder ein entsprechendes Feindbild, das dann auch beherzt und freudig bespuckt werden darf. Eine interessante Parallele dazu findet sich in deiner Beschäftigung mit Typographie und Schriftzeichen – wie dürfen wir diese Arbeiten einordnen?
Manfred: Tatsächlich verweisen die Arbeiten auf Introspektion, auf’s Denken, das Sein, Identität. Es gibt unterschiedliche Werkgruppen innerhalb der Schriftarbeiten. Begonnen habe ich in den frühen 90er-Jahren mit Stempelbildern. Kein Pinselstrich, sondern Wortwiederholungsketten – wie z. B. AUGENAUGEN –, bei denen sich Begriffe wandeln, bildeten die Basis der Bilder. Zwischen AUGEN steht GENAU. Genau zwischen den Augen sitzt der Blattschuss, der zielt auf’s Gehirn. Darauf ziele ich, auf’s Denken und Wahrnehmen gleichzeitig. Die gestempelten Bilder ergeben je nach Motiv im Dialog mit dem Begriffswandel verschiedene Metaphern.
Zwanzig Jahre später fiel mir auf, dass ich die Wiederholung nicht brauche, um einen Wandel herbeizuführen. Ein Wort, in sich geschlossen im Kreis modelliert, verändert sich genauso, abhängig davon, mit welchem Buchstaben man zu lesen beginnt. EARTH wird zu HEART zu HEAR THE ART. In dieser Skulptur performend, bin ich im Zentrum der Welt das Zentrum der Kunst und verlaute diese aus vollem Herzen. Dann gibt es die Mantras, die im Kreis wiederholten Begriffe mit ihrer floralen oder maskenhaften Anmutung. Einige von ihnen sind Namen, die in ihrer Wiederholung Geschlechtswechsel vollziehen. Sonja wird zu Jason, Ali zu Lia, Adam, der biblische erste Mann, wird zu Madam und ist somit die erste Frau. Als Köpfe in Strichmännchenskulpturen überführen sie die erste figurative Darstellung des Menschen aus ihrer Geschlechtslosigkeit in eine Figur aus Mann und Frau.
Der Anger Ranger, als der ich mit ANGERANGER-Krone und WORDSWORD-Zepter für die Freiheit der Kunst kämpfe, ist ein Rollenmodell, in dem ich gänzlich frei agieren kann. Dann gibt es noch die One-Word-Poems, Bilder, in denen ein Wort mehrfarbig transparent überlagert im Kreis repetiert, seine malerische Formfindung erfährt. Die jeweilige Form mit ihrer spezifischen Binnenordnung entsteht aus der Ambivalenz von Zeichen und Zwischenräumen, Gesagtem und Unausgesprochenem. Sprache kann verbindendes und trennendes Element sein. Alle diese Arbeiten operieren am Zentralnerv der Betrachter auf positivierende Weise, öffnen das Denken über das Sehen.
Martin: Sind die von dir gerne verwendeten, aus farbigem Acryl geformten Kopfbedeckungen deiner Performances eine Reminiszenz an den Facehugger aus der ersten Alien-Verfilmung – eine feindliche und schlussendlich tödliche Übernahme des Wirtskörpers – oder ironisierst du damit die Idee nerdiger Alufolienhüte? Das genaue Gegenteil des eben Beschriebenen also …
Manfred: Die Silikonmasken sind als Angriff der Farben auf das Wesen zu lesen. Je nachdem, mit welcher der Farbmasken ich als Art Slave operiere, verändere ich mein Verhalten in Abhängigkeit zur jeweiligen Farbe. Als Artefakte von Okkupation sind die Masken Malereizitat, das, am Kopf getragen, seine psychoaktive Kraft freisetzt. Die Dripping- und Farbbeutelwurfzitate in den tiefenpsychedelischen Landschaftsbildern aus gleicher Zeit sind gleichermaßen Angriffe – hier auf’s eigene Werk. Der Energieaustausch zwischen angegriffenem Autor und angegriffenem Werk ist augenscheinlich. Ganz klar handelt es sich um eine Übernahme des Wirtskünstlers als pseudoreligiöse Überzeichnung, bei der in Besessenheitsritualen und in Glossolalien das eigene, gerade noch selbst attackierte Werk in Huldigungsszenarien beschworen wird. Ernsthaftigkeit hinter der Ironie ist zwingend. Als Skulpturen verbleiben die Farbflatschen auf Ständern im Dialog mit den Bildern im Ausstellungsraum. Das Publikum bleibt am Leben, nun glücklich.
Martin: Himmel hilf, ein glückliches Publikum – das klingt eher nach Predigt. Eine sanfte Austreibung sozusagen. Schüttest du die Gräben mit vorgewärmten Wattebäuschchen zu?
Manfred: Das Bild des glücklichen, von der Bürde des Lebens gereinigten Publikums ist natürlich gelogen. Ich hatte gehofft, man könne mir glauben. Tatsächlich hat mich nach einer Art Slaves-Performance in Rotterdam jemand nach Erlösung gefragt. Ich musste ihm sagen, dass die nicht vorgesehen sei. Er war sehr verstört. Der Arme! Weder habe ich jemals verstanden, dass Erlösung gewollt, noch dass sie von jemand anderem erhofft wird.
Martin: Kunst kann nur Antworten geben, wo Fragen gestellt werden. Warum gibst du ihm nicht, worum er bittet? Denkst du, du kannst das eigentlich nicht, oder verweigerst du dich, aus welchen Gründen auch immer? Die eigentlich klar gemeinte Sender-Empfänger-Funktion ist bei Kunst streckenweise sehr emotional, mitunter ins Mysthische verschoben. Die Götter in dieser Para-Religion wechseln schnell und unvorhersehbar – könnte das dein Zögern beantworten?
Manfred: Meine Arbeit ist die Antwort auf seine Frage. Nur weil sie ihm nicht gefällt, ist sie nicht keine Antwort. Das beschäftigt ihn – gut so. Die Art Slaves-Performances überdrehen in ihrer „Der-Moment-bestimmt-das-Sein“-Attitüde. Das Pseudospirituelle als Wahndarbietung in mit Superpopkraft versehenen Farbmasken macht die Leute geil. Ihr Voyeurismus ist durchdrungen von Neugier und Distanzbedürfnis, Angst und Lust gleichermaßen. Sie werden Zeuge einer eruptiv freigesetzten Urkraft, die sie sich nicht selbst freizusetzen trauen ergo auch nicht haben. Die deutlich lesbare Hyperbel sollte aber schon Distanz zur eigenen Wahrnehmung – gerade falls diese abdriftet in eine mystifizierte „Wahrheit“ – garantieren. Ich improvisiere in vielen Performances in einem Referenzsystem aus Unterbewusstem, Metaebenen, Zitaten und Realität. Vice versa gilt: Die Eigenwahrnehmung impliziert die Außenwirkung. Das gilt live auch für das Publikum im Verhältnis zu mir. Ich nehme mich und die Menschen wahr, wie diese sich und mich, und beziehe sie ein in die wieder von ihnen konsumierte Aktion. Gurutum aber liegt mir maximal fern. Darum würde ich auch nicht zögern, jemand als Antwort keine Antwort zu geben. Es gibt aber immer meine Arbeit als Antwort, als Frage. Das ist hier eins.
Martin: Lieber Manfred! Vielen Dank für diesen Austausch!!!
iir, september 2025