relevance & return
this episode:
martin eugen raabenstein
artist, writer & composer, berlin
photo © martin eugen raabenstein, at younger ages
legacy, inheritance, heritage, three terms for … what exactly?
martin eugen raabenstein in self-dialogue and with the question
of what remains at the end of the day.
martin: dear martin! nice to have you with us! would you please introduce yourself briefly?
martin: thank you for the idea of doing a self-interview, martin, although i don’t really believe it will lead to a meaningful result, since you might lack the necessary distance for the right questions. but we’ll see…
i come from a middle-class background, my father was a policeman, my mother a housewife. i come from a second marriage, and my parents were already over forty when i was born. i have significantly older siblings, but this inner-family box was never unpacked — probably due to a lack of mutual trust and a missing common language.
my grandparents were born at the end of the 19th century. on my mother’s side, this shaped a southern german protestant craftsman’s world, and from my father’s side, strict, ritualized codes of behavior also flow in. the young postwar republic of west germany wanted to shed the denazified but still stiff wilhelminian-religious mix with great reform zeal, the student movement, and the social democratic chancellor willy brandt wanted to “dare more democracy,” as it should, but in the eighties, under helmut kohl, it fell back into a restrictive conservative basic attitude, and the reunification would ultimately only reinforce this.
martin: isn’t that a bit far-fetched?
martin: certainly, but it’s an attempt to explain the time of growing up when you were born in the sixties. that era was one of intense upheaval, and exactly these differing positions shaped it. i think one is always the sum of all influences — and in this case, i feel rebellion and restriction united in one heart. the pressure for reform is immense, but there’s always a way not to go quite as far as one could, or even should.
martin: we’re only here on this planet for a limited time. does that trouble you? how do you deal with your finiteness?
martin: it was never boring — to quote the pet shop boys. i’m a late bloomer, and most of those who burned brighter in our youth no longer walk this earth. i miss nothing, i have no list with a bunch of things still to be checked off. maybe i’ll realize the mistake when it’s too late… whatever.
martin: and yet… is your inner conflict between departure and resignation the reason you chose an artistic path?
martin: basically, yes — but that only becomes clear with distance and in retrospect. everything is in constant construction and questioning. when i was very young, i once wondered why the experiences of yesterday couldn’t be carried over into the next day — as if you had built a lovely little house from lego, and the next morning all the pieces lay neatly sorted by color and size back in the box. heraclitus and his saying about the ever-changing river were unknown to me, but essentially, all my artistic activities revolve around exactly that.
martin: everything constantly recreates itself — what may be an important and formative realization for a child becomes, for you, a systematic design principle. why?
martin: the film classic groundhog day explains bill murray’s dilemma very well — what it means to have to relive the same day over and over. no matter what he does, the next morning he finds himself back at zero. the myth of sisyphus plays with the same metaphor — life as an endless cycle. construction and deconstruction interlock, and it is a never-ending game of igniting fire and then extinguishing it again…
martin: the problem most people have is that they can’t quite judge how big the burning is that they’re playing with.
martin: exactly — that’s the problem. without friction, no fire, and only the risk-takers will find out what happens, even under the looming danger of harming themselves.
martin: we mean the same thing — you just repeated in other words what i was hinting at…
martin: … and you’ve already understood the principle of regulated repetition.
martin: this is getting a bit silly. would you like to tell us more about your creative approach?
martin: we’re almost done… to the principle of repetition and rupture, we just need to add rhythm. steve reich is a master of subtly but constantly shifting composition. francis bacon also achieves the repetition of painterly, rhythmic ruptures without descending into boredom over the decades. sergei eisenstein is the inventor of the tension-creating, effect-maximizing intervention within a scene. alfred hitchcock perfected this technique and went even further by not fulfilling audience expectations — thereby creating additional suspense.
martin: how can we imagine this principle in your own work?
martin: i work with various media, and it’s easiest to find this in my musical compositions. the structure of electronic music explains it almost by itself through the superimposing of mixed sound layers. i then transferred this working method to my ink paintings at the beginning of the 2000s, and my texts for the institute for intentionality research also follow this principle. an intermedial space of association opens up: the ink works look like sheet music, the pieces of music open cinematic dimensions, and the texts can be read like poetry. whether this actually works, of course, must be decided by my respective audience.
martin: why did you say at the beginning that you wouldn’t follow your chosen path all the way to its actual end?
martin: as a person who doesn’t like extremes, i think that every artistic work should open a space but not fill it completely, in order to leave room for the audience’s own interpretation. you can always make any music louder, but ultimately that only leads to fatigue and deafness. artists who choose this path are, of course, heard simply because of their higher volume — but that doesn’t necessarily make their work better or more interesting.
martin: how did you come to this realization?
martin: my father returned in 1955 as a late repatriate from russian war captivity. he had burst eardrums and was deaf. the technology back in the seventies was still in its infancy; his hearing aid was oversized, and he could only distinguish sounds or speech to a limited extent and at low volume. there is no truth — we may guess its origin, but we do not hear it.
martin: dear martin! thank you for this exchange!!!
iir, october 2025
Vermächtnis, Erbe, Hinterlassenschaft, drei Begriffe für …
was eigentlich genau? Martin Eugen Raabenstein im Selbstdialog und mit der Frage, was am Ende des Tages übrigbleibt.
Martin: Lieber Martin! Schön dich bei uns zu haben! Magst du dich bitte kurz vorstellen?
Martin: Vielen Dank für die Idee, ein Selbstinterview zu führen, Martin, obwohl ich nicht wirklich an ein zielführendes Ergebnis glaube, da dir möglicherweise die nötige Distanz für die richtigen Fragen fehlt. Aber wir werden ja sehen…
Ich komme aus einem bürgerlichen Milieu, mein Vater war Polizist, meine Mutter Hausfrau. Ich entstamme einer zweiten Ehe, und meine Eltern waren schon über vierzig, als ich geboren wurde. Ich habe deutlich ältere Geschwister, aber dieser innerfamiliäre Karton wurde nie entpackt – wohl aus mangelndem gegenseitigem Vertrauen und einer fehlenden gemeinsamen Sprache.
Meine Großeltern sind Ende des 19. Jahrhunderts geboren. Mütterlicherseits formt dies eine süddeutsch-protestantische Handwerkerwelt zum einen, und von meiner väterlichen Linie fließen ebenfalls streng gesittete, ritualisierte Verhaltenskodizes mit ein. Die junge Nachkriegsrepublik BRD will das entnazifizierte, aber noch immer steife wilhelminisch-religiöse Gemenge mit großem Reformwillen, der Studentenbewegung und dem sozialdemokratischen Kanzler Willy Brandt abstreifen, will „mehr Demokratie wagen“, sollte dies auch – und fällt in den Achtzigern aber unter Helmut Kohl zurück in eine restriktiv-konservative Grundhaltung, die die Wiedervereinigung letztendlich nur untermauern wird.
Martin: Ist das nicht ein wenig weit ausgeholt?
Martin: Gewiss, aber es ist ein Versuch, die Zeit des Heranwachsens zu erklären, wenn man in den Sechzigern geboren ist. Diese Epoche ist in einem heftigen Umbruch, und genau diese unterschiedlichsten Positionen werden sie prägen. Ich denke, man ist immer die Summe aller Einflüsse – und in diesem Fall verspüre ich Rebellion und Restriktion gemeinsam in einer Brust. Der Reformdruck ist immens, aber es findet sich immer ein Weg, nicht ganz so weit gehen zu müssen, wie man eigentlich könnte oder gar sollte.
Martin: Wir sind nur für eine begrenzte Zeit auf diesem Planeten. Beunruhigt dich das? Wie gehst du mit deiner Endlichkeit um?
Martin: Es war nie langweilig, um mit den Pet Shop Boys zu antworten. Ich bin ein Spätzünder, und von denjenigen, die in unserer Jugend heller gebrannt haben, wandeln die meisten schon nicht mehr auf dieser Erde. Ich vermisse nichts, habe keine Liste, auf der noch eine Menge abgehakt werden muss. Möglicherweise bemerke ich den Fehler, wenn es zu spät ist… egal.
Martin: Und dennoch… ist dein innerer Konflikt zwischen Aufbruch und Resignation der Anlass, einen künstlerischen Weg einzuschlagen?
Martin: Im Grunde genommen schon, aber das wird erst mit zeitlichem Abstand und im Rückblick klar. Alles befindet sich in permanentem Aufbau und Infragestellung. Als ich noch sehr jung war, habe ich mich irgendwann gewundert, warum man die Erlebnisse des gestrigen Tages nicht in den nächsten hinüberretten kann – als habe man ein feines Häuschen aus Lego gebaut, und am darauffolgenden Morgen liegen alle Bausteine schön nach Farbe und Größe geordnet wieder brav im Kasten. Heraklit und sein Spruch vom sich ewig wandelnden Fluss war mir nicht bekannt, aber all meine künstlerischen Aktivitäten drehen sich im Grunde genau darum.
Martin: Alles kreiert sich beständig neu – was dem Kind eine wichtige und prägende Erkenntnis sein mag, bildet bei dir eine systematische Gestaltungsgrundlage. Warum?
Martin: Der Filmklassiker Und täglich grüßt das Murmeltier erklärt an Bill Murrays Dilemma sehr gut, was es heißt, denselben Tag immer wieder durchleben zu müssen. Egal, was er anstellt, am nächsten Morgen findet er sich wieder zurück auf Null. Die Sisyphos-Sage spielt mit der gleichen Metapher – das Leben als endloser Kreislauf, Konstruktion und Dekonstruktion greifen ineinander, und es ist ein immerwährendes Spiel, Feuer zu entfachen und dieses wieder zu löschen…
Martin: Das Problem der meisten Leute besteht darin, nicht richtig abschätzen zu können, wie groß der Brand ist, mit dem sie spielen.
Martin: Genau das ist das Problem. Ohne Reibung kein Feuer, und nur die risikofreudigen Charaktere werden herausfinden, was passiert – selbst unter der drohenden Gefahr, sich selbst Schaden zuzufügen.
Martin: Wir meinen das Gleiche – du hast nur in anderen Worten wiederholt, was ich andeutete…
Martin: … und schon hast du das Prinzip der gereihten Wiederholung verstanden.
Martin: Das wird langsam albern. Magst du uns dein gestalterisches Vorgehen näher erläutern?
Martin: Wir sind schon fast fertig… Zu dem Prinzip von Wiederholung und Bruch fehlt uns nur noch die Rhythmisierung. Steve Reich ist ein Meister einer sich dezent, aber permanent wandelnden Komposition. Francis Bacon gelingt ebenfalls die Wiederholung malerischer, rhythmisierter Brüche, ohne über die Jahrzehnte hinweg in die Langeweile abzugleiten. Sergei Eisenstein ist der Erfinder des spannungserzeugenden, die Wirkung der Szene maximierenden Eingriffs. Alfred Hitchcock perfektioniert diese Technik und steigert sie noch, indem er die Publikumserwartung nicht bedient – und so für zusätzliche Spannung sorgt.
Martin: Wie können wir uns dieses Prinzip nun konkret bei dir vorstellen?
Martin: Ich arbeite mit verschiedenen Medien, und am einfachsten lässt es sich in meinen musikalischen Kompositionen finden. Die Gestaltung elektronischer Musik erklärt dies schon durch die Schichtung zusammengemischter Layer fast von selbst. Diese Arbeitsweise habe ich dann zu Beginn der Nullerjahre auf meine Tuschmalereien übertragen, und auch meine Texte für das Institute for Intentionality Research folgen diesem Prinzip. Ein intermedialer Assoziationsraum tut sich auf: Die Tuschearbeiten wirken wie Notenblätter, die Musikstücke eröffnen filmische Ebenen, und die Texte können wie Poesie gelesen werden. Ob dies allerdings wirklich funktioniert, muss natürlich mein jeweiliges Publikum entscheiden.
Martin: Warum meintest du zu Anfang hier, du würdest nicht den eingeschlagenen Weg bis zu seinem tatsächlichen Ende gehen?
Martin: Als Mensch, der Extreme nicht mag, denke ich, dass jede künstlerische Arbeit einen Ort öffnen sollte, diesen aber nicht gänzlich ausfüllen darf – um so Platz für die eigene Interpretation des Publikums zu lassen. Man kann jede Musik immer lauter machen, aber letztendlich führt dies nur zu Übermüdung und Taubheit. Künstler, die sich für diesen Weg entscheiden, werden natürlich schon allein durch deren höheren Pegel gehört – das macht aber in der Regel deren Arbeit auch nicht besser oder gar interessanter.
Martin: Wie bist du zu dieser Erkenntnis gelangt?
Martin: Mein Vater kam 1955 als Spätheimkehrer aus russischer Kriegsgefangenschaft zurück, hatte geplatzte Trommelfelle und war taub. Die entsprechende Technologie war in den 70ern noch in ihren Kinderschuhen, seine Hörbrille übergroß, und er konnte damit nur in begrenztem Maße und in geringer Lautstärke Geräusche oder Sprache differenzieren. Es gibt keine Wahrheit – wir mögen ihren Ursprung vermuten, aber wir hören sie nicht.
Martin: Lieber Martin! Vielen Dank für diesen Austausch!!!
iir, october 2025