relevance & return
this episode:
michelle jezierski
artist, berlin
© michelle jezierski at younger ages
legacy, inheritance, heritage, three terms for … what exactly?
martin eugen raabenstein in dialogue and with the question
of what remains at the end of the day.
martin: dear michelle! nice to have you with us! would you please introduce yourself briefly?
michelle: hi martin, thanks a lot for the invitation! i grew up in berlin in a family of musicians, my parents are americans. although i grew up with music and it deeply shapes my approach to painting, not everyone in the family had to choose this profession – so i studied art here at the udk.
martin: we are only on this planet for a limited time. does that worry you? how do you deal with your finiteness?
michelle:: i wouldn’t like to live forever. finiteness also gives me an appreciation for the time i have here on the planet. i try, as best as i can, to be fully and completely in the here and now. art helps me a lot with that.
martin: your two professors at the udk, tony cragg and valérie favre, stand for spatial fragmentation and fluid figuration – and you already came into contact with musically based construction in your parental home. here, biography intertwines with your work like a dismantled and reconstructed mirror. what makes this layering combination, this interlocking of the simultaneous and yet non-simultaneous, so fascinating to you?
michelle: as you already mention, i have been in contact with music right from the start, which deeply shapes my visual language. in my painting, i visually translate much of what i have experienced from music. i am always searching for simultaneous spaces. it is exciting to depict paradoxes that work nowhere except on the canvas. this is where they find their place. on the small, limited surface of the canvas, i can create a huge, monumental expanse, spaces that simultaneously come forward and create a pull toward the back of the image. that also has elements of time or synchronicity. the ruptures or fragmentation also reflect us as human beings. we could, for example, experience the same situation, and yet everyone has their own perception and sense of time regarding this moment. i try to visually explore this polyphony, this ambiguity, over and over again.
martin: your earlier works had significantly more architectural references, whereas now you are rather dealing with a fictional image of landscape. does urbanity in the broadest sense no longer interest you?
michelle: over time, i have increasingly asked myself how i can convey the essence of my paintings – what can i leave out and what distracts from the actual subject. for me, it is about conveying the feeling of expanse and the monumentality of a sky, for example, rather than depicting a landscape precisely. whether it is fictional or not is irrelevant. it is often a mixture of fragments from my observation and internalized, visual moments that then reappear in the paintings in some form. my focus always remains the exploration between image spaces: between free gestures and clearly constructed geometries and lines. and how i can visualize these different states simultaneously.
martin: you usually connect different image spaces with each other. how can we imagine this process?
michelle: it is perhaps similar to weaving, i interlock several image spaces together. for me, it is about creating simultaneous spaces that function as a whole despite the visual disruptions i embed within them.
martin: your way of interlocking the image spaces has changed. they used to be rather layered, today they often stand sharply against each other and seem separated. what happened?
michelle: the common thread has always been there, i am constantly searching for different forms of image disruption. shifts, duplications, or cut-ins have been added to the superimpositions, for example; through this, the element of time weaves itself in, creating a simultaneity. you could define this as an evolving language, a steadily growing vocabulary.
martin: does your audience keep up with your changing narrative?
michelle: i cannot speak for my audience, but my visual decisions become more visible over time, and by consistently pursuing my formal language, they gain clarity and depth.
martin: accordingly, how do you choose your motifs, especially their visual contrast, and how do you then technically implement this construction?
michelle: the motifs and their contrast emerge in the process of painting. sometimes the works originate from photos i take or collect from the internet, or even from the idea of a color mood or lighting situation. in this process, the photos are only an initial impulse, like a sketch. it is always a mixture – the painting emerges in the dialogue between my idea of what should happen and what actually happens on the canvas. the best works are often those where i detach myself from my idea and fully engage with the material. as a result, the painting process becomes primary, not the motif.
martin: how do you deal with mistakes when you mispaint or realize that the chosen templates do not complement each other in a meaningful way after all … do you stay analytical-rational or do you lose control and start wildly throwing brushes around?
michelle: mistakes do not exist in that sense. if my plan doesn’t quite work out, entirely new possibilities often open up that move me forward. but sometimes they don’t. that is part of the process. my approach is a mixture of both. as francis bacon calls it: controlled chaos – somewhere between plunging myself into the painting and then repeatedly surfacing to check what is happening on the canvas, in order to react to it again.
martin: if your way of image composition shifts from the layered to the sharply set, can you imagine eventually uniting everything again in a non-layered image?
michelle: such paintings already exist, but those are motifs that do not require these interventions. they contain the monumentality i strive for and a microscopic effect at the same time. the scaling and its ambivalence are the focus. the space then appears ambiguous in itself, so that further interventions are not essential.
martin: that means you have built the factor of time not only into your respective painting, but also into the sequence of your works, a simultaneity of space and time?
michelle: exactly. every painting needs something different, a focus exists, and depending on where i currently am, i react to it … sometimes with many image disruptions and sometimes it simply isn’t needed. just as there is classical music with its gesture and expanse, and there are pulsating electronic beats and the entire spectrum in between.
martin: dear michelle! thank you for this exchange!!!
iir, july 2026
Vermächtnis, Erbe, Hinterlassenschaft, drei Begriffe für …
was eigentlich genau? Martin Eugen Raabenstein im Dialog
und mit der Frage, was am Ende des Tages übrigbleibt.
Martin: Liebe Michelle! Schön dich bei uns zu haben! Magst du dich bitte kurz vorstellen?
Michelle: Hi Martin, vielen Dank für die Einladung! Ich bin in Berlin in einer Musikerfamilie grossgeworden, meine Eltern sind Amerikaner. Ich bin zwar mit Musik aufgewachsen, sie prägt mich sehr in der Herangehensweise meiner Malerei, aber nicht jeder in der Familie musste diesen Beruf ergreifen – so habe ich hier an der UdK Kunst studiert.
Martin: Wir sind nur für eine begrenzte Zeit auf diesem Planeten. Beunruhigt dich das? Wie gehst du mit deiner Endlichkeit um?
Michelle: Ich würde ungerne für immer leben. Die Endlichkeit gibt mir auch eine Wertschätzung für die Zeit, die ich hier auf dem Planeten habe. Ich versuche, so gut es geht, voll und ganz im Hier und Jetzt zu sein. Die Kunst hilft mir sehr dabei.
Martin: Deine beiden Professoren an der UdK, Tony Cragg und Valérie Favre, stehen für räumliche Fragmentierung und fließende Figuration – und schon in deinem Elternhaus bist du mit musikalisch basierter Konstruktion in Kontakt gekommen. Vita verzahnt sich hier mit deiner Arbeit wie ein zerlegter und rekonstruierter Spiegel. Was macht diese schichtende Kombination, dieses Ineinandergreifen des Gleichzeitigen und doch Ungleichzeitigen für dich so faszinierend?
Michelle: Wie du schon erwähnst, bin ich schon von Anfang an mit Musik in Kontakt, was meine visuelle Sprache sehr prägt. In meiner Malerei setze ich vieles von dem, was ich aus der Musik erfahren habe, visuell um. Ich suche immer wieder nach simultanen Räumen. Es ist spannend, Paradoxien darzustellen, die nirgendwo funktionieren außer auf der Leinwand. Hier bekommen sie ihren Platz. Ich kann auf der kleinen, begrenzten Fläche der Leinwand eine riesige, monumentale Weite entstehen lassen, Räume, die gleichzeitig nach vorne kommen und einen Sog nach hinten ins Bild kreieren. Das hat auch Elemente der Zeit oder auch der Gleichzeitigkeit. Die Brüche oder Fragmentierung spiegeln aber auch uns Menschen wider. Wir könnten zum Beispiel die gleiche Situation erleben, und trotzdem hat jeder von uns eine eigene Wahrnehmung und ein eigenes Zeitempfinden vom gleichen Moment. Diese Polyphonie, diese Mehrdeutigkeit versuche ich visuell immer wieder aufs Neue auszuloten.
Martin: Deine früheren Arbeiten hatten deutlich mehr architektonische Bezüge, während du dich jetzt eher mit einem fiktiven Bild von Landschaft beschäftigst. Interessiert dich Urbanität im weitesten Sinne nicht mehr?
Michelle: Ich habe mich mit der Zeit immer mehr gefragt, wie ich die Essenz meiner Bilder vermitteln kann – was kann ich weglassen und was lenkt vom Eigentlichen ab. Es geht mir darum, das Gefühl einer Weite und die Monumentalität zum Beispiel eines Himmels zu vermitteln, anstatt dass ich eine Landschaft genau abbilde. Ob fiktiv oder nicht, ist irrelevant. Es ist oft ein Gemisch aus Fragmenten meiner Beobachtung und verinnerlichte, visuelle Momente, die dann in irgendeiner Form wieder in den Bildern auftauchen. Mein Fokus bleibt immer wieder die Auslotung zwischen Bildräumen: zwischen freien Gesten und klar konstruierten Geometrien und Linien. Und wie ich diese verschiedenen Zustände gleichzeitig visualisieren kann.
Martin: Du verbindest in der Regel unterschiedliche Bildräume miteinander. Wie können wir uns diesen Prozess vorstellen?
Michelle: Es ist vielleicht ähnlich zum Weben, ich verknüpfe mehrere Bildräume zusammen. Mir geht es darum, gleichzeitige Räume entstehen zu lassen, die als Ganzes funktionieren trotz der visuellen Brüche, die ich mit einbette.
Martin: Deine Art der Verzahnung der Bildräume hat sich verändert. Früher waren sie eher überlagert, heute sind sie oft hart gegeneinander getrennt. Was ist passiert?
Michelle: Der rote Faden zieht sich schon immer durch, ich bin ständig auf der Suche nach verschiedenen Formen der Bildstörung. Zu den Überlagerungen sind zum Beispiel Verschiebungen, Dopplungen oder Verschnitte hinzugekommen, dadurch webt sich das Element der Zeit mit ein, eine Simultanität entsteht. Das könnte man wie eine sich weiterentwickelnde Sprache definieren, ein stetig anwachsender Wortschatz.
Martin: Geht dein Publikum mit deiner sich ändernden Narration mit?
Michelle: Ich kann nicht für mein Publikum sprechen, aber meine visuellen Entscheidungen werden mit der Zeit sichtbarer und durch die konsequente Weiterführung meiner Formsprache gewinnen sie an Klarheit und Tiefe.
Martin: Wie wählst du dementsprechend deine Motive aus, vor allem deren bildliche Gegensätzlichkeit, und wie setzt du dann diese Konstruktion technisch um?
Michelle: Die Motive und deren Gegensätzlichkeit entstehen im Prozess des Malens. Manchmal entstehen die Arbeiten aus Fotos, die ich mache oder aus dem Internet sammele, oder auch aus der Idee einer Farbstimmung oder Lichtsituation beraus. Dabei sind die Fotos nur ein initialer Impuls, wie eine Skizze. Es ist immer eine Mischung – das Bild entsteht im Dialog zwischen meiner Vorstellung von dem, was passieren soll, und dem, was auf der Leinwand passiert. Die besten Arbeiten sind oft jene, bei denen ich mich von meiner Idee loslöse und mich komplett auf das Material einlasse. Dadurch wird der Malprozess vordergründig und nicht das Motiv.
Martin: Wie gehst du mit Fehlern um, wenn du dich „vermalst“ oder du erkennst, dass die gewählten Vorlagen zusammen doch keine weiterführende Ergänzung bilden … bleibst du da analytisch-rational oder gehen dir dann die Pferde durch und du wirfst wild mit Pinseln um dich?
Michelle: Fehler gibt es in dem Sinne nicht. Wenn mein Vorhaben nicht ganz aufgeht, eröffnen sich oft ganz neue Möglichkeiten, die mich weiterbringen. Manchmal aber auch nicht. Das ist Teil des Prozesses. Meine Herangehensweise ist eine Mischung aus beidem. Wie Francis Bacon es nennt: controlled chaos – irgendwo zwischen sich ins Bild stürzen und dann immer wieder auftauchen und nachschauen, was da auf der Leinwand passiert, um dann wieder darauf zu reagieren.
Martin: Wenn sich deine Art der Bildfindung vom Überlagerten zu hart Gesetztem wandelt, kannst du dir vorstellen, irgendwann alles wieder in einem nicht geschichteten Bild zu vereinen?
Michelle: Solche Bilder gibt es schon, aber das sind Motive, die diese Interventionen nicht benötigen. Sie beinhalten die Monumentalität, die ich anstrebe, und einen mikroskopischen Effekt gleichzeitig. Die Skalierung und ihre Ambivalenz sind der Fokus. Der Raum erscheint dann an sich schon mehrdeutig, sodass weitere Eingriffe nicht essenziell sind.
Martin: Das heißt, du hast den Faktor Zeit nicht nur in deinem jeweiligen Bild eingebaut, sondern auch in der Abfolge der Arbeiten, eine Gleichzeitigkeit von Raum und Zeit?
Michelle: Genau. Jedes Bild braucht etwas anderes, es existiert ein Fokus und je nachdem, wo ich mich gerade befinde, reagiere ich darauf … manchmal mit vielen Bildstörungen und manchmal braucht es das einfach nicht. So wie es auch klassische Musik mit ihrer Gestik und Weite gibt, sowie pulsierende elektronische Beats und die ganze Bandbreite dazwischen.
Martin: Liebe Michelle, vielen Dank für diesen Austausch!!!
iir, july 2026